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Doodle conmemora 400 aniversario del pintor sevillano Murillo

México, 29 de noviembre/Notimex. La compañía de tecnología Google recuerda este día el 400 aniversario del artista sevillano Bartolomé Esteban Murillo, quien pintó escenas históricas y religiosas durante la época dorada del arte español.

Así, el Doodle de hoy muestra uno de los cuadros más emblemáticos del artista, llamado “Mujeres en la ventana”, el cual pintó entre 1665 y 1675, en el que dos mujeres se muestran interesadas por algo que llama su atención en el exterior de una casa.

Conocido por su iluminación dramática, su paleta de colores radiantes y su versatilidad, Murillo le dio vida a una amplia gama de temas, como la grandeza de su Inmaculada Concepción, hasta escenas casuales como la que se muestra en el Doodle.

La compañía menciona en su blog que aunque se desconoce su fecha exacta de nacimiento, fue bautizado el día de Año Nuevo de 1618, en la Iglesia de Santa María Magdalena de Sevilla, localidad en la que vivió la mayor parte de su vida.

Al estudiar con el consumado pintor Juan del Castillo, un familiar de parte de la familia de su madre, Murillo eventualmente superaría a su maestro y sería considerado bastión de lo que se conoció como la “Escuela sevillana” de la era barroca.

“Reconocido por su espíritu independiente, Murillo cultivó su propio estilo de pintura, incorporando influencias flamencas y venecianas, evolucionando a lo largo de su carrera”.

Durante dos viajes prolongados a Madrid, fue presentado a Diego Velázquez y expuesto a obras de maestros venecianos y flamencos, que influyeron profundamente en su propio trabajo. A su vez, las pinturas de Murillo influyeron en futuros maestros como Thomas Gainsborough y Jean-Baptiste Greuze.

Asimismo, recuerda que en su 400 aniversario, el Museo de Bellas Artes de Sevilla inauguró una serie de exposiciones que celebran la obra de Murillo, así como conciertos y otras actividades culturales, para hacer de este el “Año de Murillo”.

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Terquedad, secreto del artista para lograr éxito: José Esteban Martínez

Mary Chávez. (Corresponsal). Fresnillo, Zac., 26 de noviembre/Notimex. Terco, irreverente, creativo y emprendedor, son algunos de los calificativos que definen al artista zacatecano, José Esteban Martínez, reconocido internacionalmente por su obra pictórica, llena de colorido y mexicanidad.

Para el pintor, con más de tres décadas de trayectoria, lo importante para alcanzar el éxito “en este oficio no es lo bueno que seas; sino lo terco. Es de mucha constancia”, afirma en entrevista exclusiva con Notimex, en la que da su visión de la vida, el arte y la cultura.

Esa terquedad lo llevó a realizar exposiciones individuales y colectivas en Madrid, Nueva York, París, Italia, Estados Unidos, Argentina y México; a incursionar en televisión y radio; y festivales de cine en Zacatecas, Guadalajara, Morelia, Chihuahua y UNAM.

Se dice “aprendiz de brujo autodidacta” y con su arte muestra, y constantemente se burla, de la vida, del momento político, de la idiosincrasia y las costumbres de México. Pero lo hace a través de una colorida, brillante, llamativa y viva obra.

Muestra de su irreverencia son los títulos que da a sus exposiciones: Qué tanto es poquito, Un hombre con suerte y Me muero de ganas de vivir (el último lo puso luego de sufrir un infarto) y a sus cuadros: Tacabrón Olvidarme, El dilema de un Sancho, El Santito, El candidore, La comezón, Las tetas y La quinceañera.

En 1985, este diseñador gráfico llegó por casualidad a la pintura e inició la aventura que le ha dado satisfacciones, lo ha hecho evolucionar y le da la experiencia para reconocer que falta mucho por hacer en el ámbito cultural de México y Zacatecas.

Mientras platica, en su estudio trabaja en cuadros que formarán parte de dos exposiciones: Oaxaca, en diciembre; y Ciudad de México, en Julio de 2019. Faena que deja para reprender por la pregunta de cuánto tarda en concebir un proyecto.

Los proyectos no tienen tiempo. Lo importante es “siempre agarrar la idea. Es ser terco y concluirla”, reitera el contemporáneo de los pintores zacatecanos Manuel Felguérez, Rafael Coronel, Juan Manuel de la Rosa e Ismael Guardado.

Sobre la decisión en el uso de los colores en sus obras, añade que nunca lo piensa. “Es algo que se da solito” y se va descubriendo conforme los mezcla, porque muy pocas veces usa los tonos primarios, apunta.

Siempre pinta para él y el trabajo lo concluye cuando lo satisface, porque si no lo vuelve a empezar, indica Martínez al aclarar que ha evolucionado: hoy no es el mismo de hace 10 o 15 años. Ahora siente que tiene un estilo propio, personal.

En su larga carrera como artista plástico no sólo se ha dedicado a pintar y grabar, ha incursionado como funcionario público, emprendedor, innovador e ilustrador de más de un centenar de libros.

¿Por qué lo ha hecho? Porque considera que “el pintor no tiene que estar únicamente pintando en su casa cuadritos. Puede hacer muchísimas cosas que verdaderamente le den un plus a su arte” y convertirse en empresario, porque “el maná no cae del cielo”, acota en la amena charla.

Refiere la necesidad de los artistas de “venderse” y “promoverse” para obtener de su talento una ganancia que le permita “vivir bien”, porque en México la producción cultural está desmotivada por falta de incentivos y programas gubernamentales.

Sin embargo, indica que eso no es limitativo, pues el creador debe buscar alternativas. Ejemplifica con su propia historia: “Mi economía se basa en mi pintura. Y me va bien. Pero ¿Cuántos colegas que pintan normalmente a veces no tienen ni para el camión? Eso no se vale, se responde.

Por ello, este innovador creó su propia firma José Esteban Martínez, al plasmar sus obras en diversos artículos para su venta, como prendas de vestir (playeras, corbatas y mascadas), llaveros, libros y alhajeros.

Crítica que los artistas se hayan vuelto “parásitos” y vivan sólo de apoyos gubernamentales. También revira contra los gobiernos de Zacatecas y federal. El primero, porque no ha sabido impulsar económicamente la cultura y el segundo, por carecer de una estrategia. La tarea en cultura todavía es mucha, advierte.

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Subastan en 2.1 mdd pintura de Rufino Tamayo en Nueva York

Nueva York, 21 de noviembre/Notimex. La casa de subastas Christie’s anunció este miércoles que remató la obra titulada Hombre Feliz, del pintor mexicano Rufino Tamayo, en dos millones 172 mil dólares, en el marco de su venta de otoño de arte latinoamericano.

En un ensayo que acompañó al catálogo de la subasta, el historiador Juan Carlos Pereda expresó que “Hombre Feliz”, creada en 1947, fue realizada cuando Tamayo (1899-1991) estaba en la cúspide de su reconocimiento internacional.

La obra fue realizada “en un año en que (Tamayo) desafiaba de manera activa y discursiva a la llamada Escuela Mexicana. Hombre Feliz y las obras de este periodo representan este mayor universalismo y una participación decidida y estratégica en la vanguardia internacional”, escribió Pereda.

La subasta de la obra de Tamayo formó parte de la venta de arte latinoamericano de esta temporada, en que se vendió el 72 por ciento de las piezas ofrecidas, por un valor total de 19 millones 268 dólares. La subasta en el piso de remates comenzó el martes y continuó este miércoles.

De acuerdo con Christie’s, hubo un interés muy activo por las piezas latinoamericanas, con una fuerte participación global. La selección de arte colonial tuvo gran aceptación, con muchos lotes que superaron las estimaciones iniciales y el 93 por ciento de los lotes ofrecidos vendidos.

Dentro de la subasta, se establecieron además cinco récords para obras de artistas latinoamericanos, que abarcan desde lo colonial hasta lo contemporáneo, entre ellos el novohispano Nicolás Enríquez, así como los mexicanos José Chávez Morado y Francisco Toledo.

Destacaron además varias piezas subastadas de Diego Rivera. Una pieza en papel de Rivera, titulada Comuneros (Comuna de Paris), casi quintuplicó su estimación inicial, para ascender a 492 mil 500 dólares.

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Museo ‘Reina Sofía’ destaca papel de extranjeros en arte parisino

Madrid, 20 de noviembre/Notimex. El Museo Reina Sofía de Madrid presentó hoy la exposición París pese a todo. Artistas extranjeros 1944-1968, en la que se destaca el papel que creadores inmigrantes tuvieron para hacer de esa ciudad la capital cultural de Europa.

Con más de 200 obras de unos 100 artistas de diferentes nacionalidades, la muestra se exhibe hasta el 22 de abril de 2019 y reúne pintura, escultura, cine y con música de jazz como eje que articula la creación de muchos artistas de la época.

El director del Museo Reina Sofía, Manuel Borja-Villel, recordó que se trató de una ciudad con ambiente que atrajo a artistas de todos los continentes, que a pesar de la post guerra desarrollaba confluencia de las corrientes artísticas.

El comisario de la exposición, Serge Guilbaut, recordó que la muestra también permite ver cómo el arte forma parte importante de la historia de esos años, en medio de tensiones y con dificultades, y frente a la idea de arte moderno que se generaba en Nueva York.

En los 24 años que aborda la exposición, la capital francesa busca recuperar tras la Segunda Guerra Mundial el lugar como eje de corrientes artísticas y lo hace con la llegada de numerosos artistas.

Según datos de la exposición, en 1965 había unos cuatro mil 500 artistas procedentes de todos los continentes que también buscaban en París un refugio para huir de la represión política, discriminación racial, homofobia o porque simplemente les atraía el lugar.

En la larga lista de creadores presentes en esta muestra hay algunos procedentes de Argentina, Canadá, Chile, Cuba, Estados Unidos, Haití, México, Venezuela, Alemania, España, Italia, Finlandia, Hungría, Portugal, Rumania, Rusia, Suiza, Argelia, Sudáfrica y Japón.

Entre los nombres de la exposición están algunos que ya vivían allí de tiempo atrás como Pablo Picasso o Vassily Kandinsky, con cuyas obras inicia el recorrido que en las salas del Museo Reina Sofía se dedica a este proyecto.

Además figuran obras del mexicano Rufino Tamayo, el español Eduardo Arroyo, Jean-Michel Atlan, Anna Eve Bergman, Minna Citron, Ed Clark, Beaufor Delaney, Erró, Claire Falkenstein, Sam Francis, Herbert Gentry y la cubana Carmen Herrera.

Asimismo, Ida Karskaya, Ellsworth Kelly, Mohammed Khadda, John-Franklin Koenig, Roberto Matta, Pablo Palazuelo, Jean-Paul Riopelle, Loló Soldevilla, Nancy Spero, Shinkichi Tajiri, Chu Teh-Chun, Jean Tinguely, Maria Helena Vieira da Silva, Wols o Zao Wou-Ki. 

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Pablo Weisz agradece que por fin reconozcan la obra de su madre, Leonora Carrington

Rocio G. Guzmán Mejía. (Corresponsal). Xilitla, SLP., 30 de octubre/Notimex. El artista Pablo Weisz, hijo de la escritora y pintora surrealista Leonora Carrington, se mostró contento y agradecido de que finalmente se reconozca la obra de su madre, quien fue una mujer revolucionaria que sobrevivió y se impuso en un medio que era dominado por los hombres.

San Luis Potosí abrió sus puertas a las obras de Leonora Carrington y presume ya de dos museos en su honor, el primero en el centro del estado y el segundo en Xilitla, que fue inaugurado el pasado 19 de octubre.

“Leonora era una revolucionaria, una batalladora, tuvo que sobrevivir en un medio en donde principalmente el género masculino es el que dominaba. Fue y es una de las artistas más extraordinarias del mundo. Era importante que una mujer de esa categoría sea reconocida”, destacó Pablo.

En entrevista con Notimex, Weisz Carrington agradeció al estado por acoger nuevamente a su madre, toda vez que se acercó a varios lugares y le cerraron las puertas, “no voy a decir los nombres, no lo quisieron por estúpidos, ellos fueron los perdedores y San Luis Potosí el ganador.

“Fue maravilloso poder hacer los museos, fue gracias a que coincidieron varias cosas. Gracias a Juan Manuel Carreras (gobernador del Estado de San Luis Potosí) que le puso el entusiasmo e hizo todo lo que se puede hacer. Es una persona muy gentil y todo salió extraordinariamente bien, me dio la certeza de que se iba a hacer algo importante y cuando vi el museo de San Luis Potosí yo dije ¡qué maravilla!”.

Ahora, en Xilitla, Pablo también está encantado ya que considera, este lugar le viene muy bien al trabajo de su madre. “Estoy contentísimo, Xilitla es un lugar increíble, tiene una vibra extraordinaria, tiene esa cosa de pueblo mágico en donde encaja muy bien la obra de Leonora, las piezas se ven casi como parte del bosque y maleza de Xilitla”, señaló.

Weisz desconoce de donde surgieron aquellos seres fantásticos que ahora el público puede apreciar en esculturas, máscaras, litografías y lienzos, ya que “las ideas del subconsciente son un misterio”, pese a ello, reconoce y destaca el amplio talento de Leonora.

“Ella, principalmente, era una extraordinaria artista, una maravillosa mujer y una gran mamá. Era muy modesta, pero yo no lo soy, entonces, estoy encantado de que ya le haya llegado el momento, por desgracia ya no está viva para poder gozar de esto, pienso que si lo gozaría pero calladita, ella no era engreída de ninguna manera, era una persona reservada y humilde”.

“Una vez me dijo que nosotros los artistas, porque ella me consideraba artista a mí también, estamos aquí para divertir al público, pero claro que es mucho más lo que ella contribuyó”.

Pese a los dos museos en San Luis Potosí y la exposición que se ha presentado en la Ciudad de México y actualmente en Monterrey, aún hay obras que no conoce el público puesto que “hay otro acervo, 50 por ciento más de lo que está presente”.

Por ello, Pablo espera que los museos no se queden estáticos, “que haya cambio y movimiento en las obras” para que así la gente pueda visitarlo una y otra vez y vea siempre algo diferente.

Finalmente, Pablo confesó que se abrirá otro Museo en la Ciudad de México, en la que fuera su casa en la colonia Roma, a cargo de la Universidad Autónoma Metropolitana, y planea lanzar una beca para mujeres.

“Es uno de mis sueños, que eventualmente haya una beca para mujeres que puedan estudiar en los museos, arte. Vamos a trabajar en eso porque antes se decía ‘es mujer, eso no puede ser (que fuera artista)’. Leonora fue diferente y lo hizo”.

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Museo del Prado exhibe ‘La última comunión de San José de Calasanz’

Madrid, 29 de octubre/Notimex. El Museo del Prado exhibirá durante un año el cuadro La última comunión de san José de Calasanz, de Francisco de Goya, pintada en 1819 para la iglesia de San Antón del colegio de Escuelas Pías de esta capital.

El Museo y la Fundación de Amigos del Museo del Prado presentaron esta pintura en su programa La obra invitada, prestada por un año, prorrogable a otro más, también como parte de las actividades del bicentenario del museo.

La pieza ocupa un espacio destacado en la sala 66 del edificio Villanueva del museo, que permite así apreciarla dentro de la colección del pintor español (1746-1828), quien creó esta obra el año que se inauguró el Prado.

La jefa de Conservación de Pintura del Siglo XVIII y Goya del Museo Nacional del Prado, Manuela Mena, explicó que el artista pintó la pieza a la edad de 75 años, “con lo que da una lección de fuerza mental y física que se necesita para hacer algo de este calibre”.

Recordó que Goya pintaba solo, sin ayuda de taller, y que se puede ver la gran cantidad de pinceladas que dio al cuadro, lo que muestra “la magia del pintor con sus pinceles”.

Señaló que destacan los rostros definidos y cada uno con una expresión diferente, y en la que refleja una metáfora de las tres edades del hombre al incluir niños por un lado, adultos en el otro y en medio el santo Calasanz antes de su muerte en 1648.

El presidente del Real Patronato del Museo del Prado, José Pedro Pérez Llorca, consideró que es un “cuadro potente” que reúne todas las características de una pintura de altar que se puede ver con el conjunto de obras de Goya en el museo.

Por su parte, el prepósito Provincial de la Orden de las Escuelas Pías de la Provincia de Betania, padre Daniel Hallado, celebró la exhibición de esta pieza en el Museo, aunque descartó una cesión total dado que su lugar natural es la iglesia para la que se encargó.

El cuadro fue pintado en 1819 para la iglesia de San Antón del colegio de las Escuelas Pías de Madrid, de los escolapios, y fue el último de los grandes cuadros de altar de Goya.

En la escena el artista expresó la religiosidad del santo, su fe, su vida humilde y penitencial y su labor de magisterio, y estaba dirigido a los profesores y alumnos del colegio de Madrid y a los fieles que asistieran a las funciones religiosas en la popular iglesia de San Antón.

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Dan a conocer a ganadores de IV Bienal de Pintura ‘José Atanasio Monroy’

México, 19 de octubre/Notimex. Después de una nutrida participación de artistas plásticos, la IV Bienal de Pintura José Atanasio Monroy anunció a los ganadores de esta edición, en la que se registraron 623 personas con mil 388 obras.

El certamen es organizado por la Universidad de Guadalajara a través del Centro Universitario de la Costa Sur (CUCSur) y Cultura UDG con apoyo de la Secretaría de Cultura del estado de Jalisco.

La premiación e inauguración de la exposición itinerante se llevará a cabo el viernes 26 de octubre a las 20:00 horas en el Centro Universitario de la Costa Sur, se informó en un comunicado.

El jurado calificador otorgó los premios a los siguientes trabajos:

Premios para la categoría de Artistas Consolidados:

Primer lugar: Jorge Juan (Jordi) Boldó Belda, con la obra Tríptico terrenal. 100 mil pesos.

Segundo lugar: Carlos Gerardo Cárdenas Reyes, con la obra Panorama. 80 mil pesos.

Tercer lugar: Reynaldo Díaz Zesati, con la obra Ir hacia nada. 60 mil pesos. (Obra seleccionada para ser la imagen oficial de la V Bienal de Pintura José Atanasio Monroy).

Premios para la categoría de Noveles Creadores:

Primer lugar: Juan Manuel Salas Valdivia con la obra Figuras sobre paisaje. 80 mil pesos.

Segundo lugar: Sofía Kalife Fuentes, con la obra Glitcheados. 60 mil pesos.

Tercer lugar: Juan Andrés de la Torre Lobato, con la obra Posibilites for anomaly (boda). 40 mil pesos.

El jurado decidió otorgar seis menciones honoríficas para las siguientes categorías:

Noveles Creadores:

Erick Hugo Pérez Arriaga, con la obra Adoración.

Juan Bernardo López Aros, con la obra El espíritu.

Paola Carolina Ramírez Hernández, con la obra Infieles I.

Artistas consolidados:

César Córdova Tapia con la obra Hipsters.

Carlos Esteban Luevano Alonso con la obra Esta tierra es mía.

Esmeralda Torres Sánchez con la obra Estudio para apuntar el día 67.

El jurado calificador lo integraron Mónica Dower, artista multidisciplinaria originaria de Gran Bretaña y naturalizada mexicana, y Arnaldo Coen, reconocido con el Premio Nacional de Ciencias y Artes en el campo de Bellas Artes por su amplia trayectoria como pintor y actividades artísticas.

Igualmente Joao Rodríguez, quien cuenta con 28 exposiciones individuales y más de 50 colectivas. Su obra forma parte de diferentes colecciones privadas y públicas de México.

De las obras registradas 966 se clasificaron bajo la categoría de Noveles Creadores, y 422 bajo la categoría de Artistas Consolidados.

Entre los estados con más número de participantes destacan Jalisco (212), la Ciudad de México (118), el Estado de México (45), Querétaro (27) y Aguascalientes (22).

 

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Cultura triqui llega a Berlín con obra del mexicano Joel Merino

Olga Borobio. (Corresponsal). Berlín, 08 de octubre/Notimex. El mexicano de la comunidad triqui Joel Merino pintó en Berlín un mural en lienzo que será exhibido en el Altar de Muertos en la embajada de México en la capital alemana, luego de viajar a esta nación con su propia obra y sin apoyo de las instituciones.

“Aquí en Europa me ha ido bastante bien y en México participo en varios festivales. Mi interés es dar a conocer las tradiciones y la lengua triqui. Es importante que como pueblos originarios no dependamos de las autoridades gubernamentales para poder hacer las cosas”, indicó.

“Estoy en Berlín porque me invitó la Sociedad de Amistad México-Alemania, y ésta pidió a la embajada de México que exhibiera mi mural con motivo del Altar de Muertos”, comentó.

“No estoy en Europa financiado por ninguna institución mexicana. No me quisieron apoyar y empecé a moverme por mi cuenta buscando colaboraciones con gente de México“, señaló a Notimex Merino, de 29 años y originario de San Juan Copala en Oaxaca, que pertenece a la etnia triqui.

Las colaboraciones son intercambios de obra suya pintada en Europa a cambio de exposición y participación en eventos de arte, por lo que este es el segundo año consecutivo que viene a Europa a pintar y a exponer. Antes mostró su talento en París, Suecia, Bélgica, Alemania, y pronto estará en Italia.

En septiembre de 2019 viajará a París, y tendrá en Alemania una exposición individual de su obra. “Yo no puedo estar esperando a que las instituciones volteen a verme o que quieran exhibir mi trabajo (…) Yo soy solo portador de mi cultura y me corresponde compartirla”, puntualizó.

La Sociedad de Amistad México-Alemania es un grupo independiente formado por mexicanos en esta nación europea y alemanes que quieren cultivar la amistad con el país latinoamericano. Su presidenta, Karina Rodríguez Jardines, mencionó que varias personas comparten sus casas con Joel.

En Berlín pinta un mural en lienzo para el Día de Muertos, que se exhibirá en la embajada de México en Berlín cuando se inaugure y se abra al público el Altar del 02 de noviembre.

El mural muestra a una muchacha de su comunidad; frente a su rostro hay una máscara del Día de Muertos que flota ante ella y que tiene la apariencia de un alebrije.

En el mural la mujer está vestida con el atuendo triqui que se usa en esa localidad, el huipil rojo, y tal y como acostumbran las muchachas de esa etnia cuando están en la ciudad llevan debajo del huipil una camisa de cuello.

La máscara representa un águila, ya que los animales en las tradiciones triqui tienen el espíritu de una deidad. El que la máscara que ella se quita se queda flotando significa la espiritualidad que forma parte de la persona, y también que ya es un alma que quedó libre.

El lienzo es de dos por tres metros y para su exhibición en la embajada el 2 de noviembre se montará en un bastidor junto al Altar con la ofrenda de muertos. A partir de ahí se mostrará en otros lugares de Berlín, de manera que se convertirá en una obra itinerante.

“Es la segunda vez que vengo a Europa a mostrar parte de mi trabajo porque he tenido algunas invitaciones a festivales, entonces decidí armar una pequeña gira por varias ciudades alemanas para llevar mi obra, que está inspirada en las tradiciones de la región triqui”, comentó Merino.

También “es importante la conservación de nuestra lengua: Toda mi obra está en triqui, no hay nada en español. Es parte de la historia no contada, no de la versión oficial. Los pueblos originarios estamos luchando para que, de alguna manera, no sólo ser reconocidos, sino que la gente conozca nuestros usos y costumbres”, refirió.

“También tengo obra en pequeño formato y manejo la técnica del grafitti para pintar en muros”, añadió.

Este lunes el artista viajó a Brecia, Italia, también invitado para pintar y dejar obra, posteriormente regresará a México. “Tengo otro festival y viajó luego a Estados Unidos; tengo otro festival allá”, detalló.

Aprendió a pintar en forma autodidacta. “Me gusta mucho que a través de mi pintura doy a conocer mi etnia. Muchos europeos aquí toman fotos y las postean en Facebook o Instagram en sus idiomas natales con información sobre quién soy y de dónde vengo. Eso a mí me motiva”, compartió.

Ha ido a museos en Europa y ve diferencias entre su pintura y la de este continente. “Aquí pintan mucho a reyes y a personas importantes, pero yo me dedico a la gente del pueblo. No soy muy fan de la pintura europea aunque he visto a los grandes maestros de la pintura, así como obra contemporánea”, dijo.

Comentó que “el arte es para la gente y por eso busco que los murales sean gratuitos y que sean para la gente”. En México tiene una colección individual en el Museo de Los Pueblos Indígenas, en Querétaro, con 12 piezas.

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Exposición en España destaca al Mediterráneo como eje artístico

Madrid, 05 de octubre/Notimex. La exposición Redescubriendo el Mediterráneo hace un recorrido por el arte europeo de los siglos XIX y XX, en los que destaca este mar como eje en la creación de muchos de los principales pintores de esos periodos.

La Fundación Mapfre presentó este viernes la muestra que reúne, hasta el 13 de enero de 2019, unas 140 obras de artistas como Pablo Picasso, Henry Matisse, Claude Monet, Paul Cézanne, Joaquín Sorolla, Vincent Van Gogh, Carlo Carrá, Giogio di Chirico, y otros.

La exposición, comisariada por la exdirectora de los museos de Marsella y el National de l´Orangerie, hace un recorrido por las pinturas en las que el Mediterráneo y sus entornos son los protagonistas.

Las costas, los puertos, las playas, la naturaleza y la cultura del Mediterráneo en países como España, Francia e Italia, están presentes en una muestra que según la línea de los creadores abarcaría desde el recuerdo del pasado hasta el arte moderno.

En la muestra se pueden apreciar los diferentes estilos, las tendencias del momento, en color, la luz, en escenas cotidianas o paisajes elegidos por los artistas.

Redescubriendo el Mediterráneo, producida por Fundación Mapfre, cuenta con el apoyo de más de 70 prestadores como los museos D’Orsay, National Picasso-París, Matisse Nice, el Centro Georges Pompidou, el Museo d’art Moderne de la Ville de París.

Además del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Kunstmuseum Winterthur, el Columbus Museum of Art y el Museo di Arte Moderna e Contemporanea di Trento e Rovereto, además de numerosas colecciones privadas. 

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México obsequia a la ONU cuadro de Manuel Felguérez

Maurizio Guerrero. (Corresponsal). Naciones Unidas, 20 de septiembre/Notimex. El gobierno de México obsequió a Naciones Unidas (ONU) un cuadro con dimensiones de mural del artista mexicano Manuel Felguérez, que fue colocado en su sede en Nueva York para conmemorar la aprobación de la agenda para el desarrollo rumbo al año 2030.

Al inicio del llamado pasillo de las banderas, que conduce al salón plenario de la Asamblea General de la ONU, fue colocada la pintura abstracta, titulada Agenda 2030.

La agenda 2030 de la ONU se refiere a los Objetivos de Desarrollo Sostenible que se proponen, entre sus principales metas, eliminar la pobreza extrema y el hambre en el mundo en un plazo de 12 años.

El cuadro, con una dimensión de unos cinco por dos metros, sería develado de manera oficial la próxima semana por el presidente mexicano Enrique Peña Nieto, de acuerdo con diplomáticos adscritos a la ONU.

Peña Nieto ofrecerá su intervención ante el plenario de la Asamblea General el martes 26 de septiembre, además de que celebrará una serie de reuniones que aún no han sido divulgadas por la misión de México ante la ONU.

El pintor y escultor Felguérez, nacido en el central estado de Zacatecas en 1928 y acreedor del Premio Nacional de Artes en 1988, es considerado un pionero del arte abstracto en México y un prominente representante de la llamada Generación de la Ruptura.

El cuadro de Felguérez se suma a otro de los regalos de México a la sede de la ONU: el mural del artista oaxaqueño Rufino Tamayo (1899-1991), titulado Fraternidad, obsequiado a este organismo internacional en 1968.

La sede de la ONU está decorada con cientos de obras artísticas obsequiadas al organismo internacional por sus Estados miembros.

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