Etiquetas: Pintura


Difunden en León, Guanajuato, vida y obra de pintor Juan Herrera

León, 11 de julio/Notimex. En conmemoración al bicentenario del nacimiento del pintor leonés Juan Nepomuceno Herrera, el Museo de las Identidades Leonesas realiza una serie de actividades y exposiciones para mostrar la vida y obra el artista.

A través de la muestra Destreza perpetua. Apuntes del pintor Juan Nepomuceno Herrera, se pretende dar un reconocimiento al autor y que se pueda dar cuenta de talento e importancia de su trabajo y buscar que “el visitante pueda inspirarse”, explicó Víctor Hermosillo, director del recinto.

“Nuestro trabajo tiene que ver con rendirle los honores a este gran creador, (la muestra) despliega una serie de bocetos, son reproducciones autorizadas de una colección que está bajo custodia del Instituto de Investigaciones Estéticas de la UNAM.

“Estos bocetos evidentemente dan cuenta de la maestría y del genio del pintor Juan N. Herrera”, declaró a la Unidad de Televisión de Guanajuato.

Además de la muestra pictórica, la agenda de actividades involucra recorridos por los principales lugares que frecuentaba el artista, intervenciones, talleres y charlas con estudiosos de la obra e historia del retratista.

El cronista vitalicio de la ciudad de León, Carlos Arturo Navarro, preparó una serie de testimoniales para la muestra.

La ruta cultural turística denominada La ciudad de Juan Herrera llevará a los interesados por lugares representativos de la vida del pintor para que se difunda su obra y reconocimiento.

“El objetivo de esta ruta es humanizar al autor, entender que él caminó por el corazón de la villa de León, él muy seguramente estuvo en este recinto (..) la idea es si bien recrear de alguna manera sus andanzas.

“Generalmente tendemos a ponerlos demasiado lejos y aquí de los que se trata es de también acercarlos y evidentemente el patrimonio tiene que ver con hacer cercano lo lejano”, explicó el director del museo.

La exposición Destreza perpetua estará disponible hasta el 19 de agosto y se podrá visitar de martes a domingo, de 11:00 a 18:00 horas.

Responsive image
0:00
0:00

Inauguran la muestra ‘Los caballos de la Revolución’ de Manuel Marín

México, 05 de julio/Notimex. El pintor, escultor y dibujante Manuel Marín inauguró este miércoles su muestra Los caballos de la Revolución, la cual fusiona materia, historia e idiosincrasia, en la Galería Media Luna del Museo Nacional de la Revolución (MNR).

Son 17 piezas de madera laqueada y policromada, con las que rinden homenaje a la figura del equino.

Durante la ceremonia de apertura de la exposición que permanecerá en ese espacio hasta el próximo 24 de agosto, el secretario de Cultura de la Ciudad de México, Eduardo Vázquez Martín, aseguró que Marín “honra al equino, animal que llegó a este territorio con la Conquista y tuvo un rol protagónico en la Revolución”.

Explicó a los asistentes que la obra de Manuel Marín “es sencilla pero no fácil” porque, dijo, “el artista tiene el don de no dejar de ser niño, cualidad a la que suma su inmensa capacidad creativa y su madura técnica” para ofrecer al espectador piezas con las que ilustra uno de los capítulos más importantes e interesantes de la historia de esta nación.

Marín describió sus piezas como esculturas-juguetes, y con una sonrisa, se dirigió a los presentes para que jugaran con ellas “aunque sea visualmente”.

Además de Vázquez Martín, asistieron el titular de la Autoridad del Centro Histórico, Jesús González Schmal; la directora del MNR, Alejandra Utrilla y la museóloga Miriam Káiser.

La muestra de Manuel Marín, dijo el responsable de la política cultural de la capital del país,  “convive muy bien con la sencillez del Museo Nacional de la Revolución, que en el tiempo nuevo por venir (en alusión a la transición política del país) está llamado a ser un espacio abierto a la reflexión sobre en qué consisten las más grandes transformaciones”.

Explicó que cada quien puede pasar a ver esa meditación sobre el caballo que hace el maestro Manuel Marín, y después pasar a ver la muestra Arquitectos de la Revolución Mexicana, en el mismo recinto, “y entender cómo son las revoluciones del civismo, de las ideas, del pensamiento y la conciencia”.

De acuerdo con el funcionario capitalino, en los caballos, en los cuales el artista hace un guiño al juguete popular, existe una franqueza por recuperar el trazo, originalidad y toda la verdad de la infancia, generando una amalgama de gran valor estético, donde vive una visión madura, profunda y crítica.

En la Galería Media Luna, espacio creado para artistas emergentes y consolidados, los visitantes observaron 17 piezas elaboradas en madera laqueada y coloreada, que van de los 15 a los 40 centímetros de altura. La muestra reúne esculturas de caballos en diversas poses, algunos sobre tres patas, dos o sólo una, siempre denotando fortaleza y valentía.

Manuel Marín, miembro de número de la Academia de Artes, en la Sección de Pintura, juega con el abatimiento del volumen de cada pieza expuesta, sin sacrificar la figura y la forma.

Esa es una de las bondades de las artes plásticas que radica en la vastedad de poses, posiciones, tamaños y variantes que la obra final puede tomar para su gozosa vista.

Para el pintor, escultor, dibujante, artista alternativo, teórico y profesor, la materia y la gravedad de la escultura tienen que guardar una estrecha relación. En ese sentido, procura que el volumen de cada figura de la exposición absorba la ligereza de un salto o de una carrera, movimientos donde iguala el valor de las patas como sostén con el del cuello y la cola.

Durante la inauguración trascendió que Marín (Ciudad de México, 1951) ha realizado más de 100 exposiciones en México y en el extranjero, y varias de sus piezas forman parte de colecciones públicas y privadas. Ha recibido distinciones, como la Estancia de Producción en la Fundación Svaneke Gaarden, Dinamarca (2002), entre muchas otras más.

Ha publicado cuatro libros teóricos de referencia: Espacio y cosas (1994), El tiempo de la pintura (1996), Intenciones del ver (2000) e Imagen (2007), así como los libros ilustrados Animales en el agua de papel (1996), La caja maga (2005), Juan O´Gorman. Un autorretrato pintándose (2006) y Primavera (2006).

Responsive image
0:00
0:00

Museo ‘Carrillo Gil’ revelará obra y figura de Wolfgang Paalen

México, 28 de junio/Notimex. Un total de 134 piezas que revelan la obra, proyectos, conexiones y efectos que el artista Wolfgang Paalen generó a su paso por México integran la exposición que a partir del 29 de junio se presentará en el Museo de Arte Carrillo Gil (MACG). 

En conferencia de prensa, Vania Rojas, directora del recinto museístico, comentó que la exhibición El gran malentendido. Wolfgang Paalen en México y el surrealismo disidente de la revista DYN recae en la figura del austriaco, quien es considerado el cofundador del expresionismo abstracto que llegó a México en 1939 con una visión vanguardista.

Para Daniel Garza Usabiaga, curador, la muestra se estructura en tres ejes temáticos que parten de la travesía de Paalen como artista y miembro activo del movimiento surrealista.

Se realiza una revisión de la Exposición Internacional de Surrealismo de 1940 que el austriaco organizó en conjunto con otros artistas en la Galería GAM, y concluye con las múltiples conexiones estéticas, científicas y culturales que generó el efecto disidente de la revista DYN durante su publicación y estudios posteriores.

“El surrealismo de Paalen, a través de DYN, buscaba una reconciliación del arte moderno con la física moderna y el arte originario de las Américas. En relación con esto último, además DYN proponía un estudio del arte indígena del continente desde las teorías de Franz Boas, así como un acercamiento difusionista a las culturas, una postura presente en el trabajo de antropólogos como Paul Rivet y Miguel Covarrubias”, mencionó.

Asimismo, señaló que se pueden establecer ciertos vínculos entre la propuesta de surrealismo disidente de Paalen con el trabajo de Alice Rahon, Eva Sulzer, Carlos Mérida y Miguel Covarrubias, colaboradores de la publicación.

“Más allá de las páginas de esta revista, estas conexiones también se pueden trazar con el trabajo de Gunther Gerzso y Álvar Carrillo Gil. La exposición tiene como objetivo mostrar el trabajo de este conjunto de artistas alrededor de las ideas que se presentaron originalmente en DYN.

“Tanto la publicación como la figura de Paalen, su editor, son poco conocidos en México. Del mismo modo, también se desconoce su propuesta sobre surrealismo disidente y su impacto en otras disciplinas, como la antropología. Con esto se busca expandir el conocimiento sobre estos personajes, así como sobre el surrealismo en México, generalmente identificado con soluciones figurativas, inspiradas fuertemente en distintas mitologías de índole un tanto hermética”, añadió.

Ilona Hoyos, directora del Foro Cultural de Austria en México, comentó que Paalen es un artista poco conocido en Austria, “fue uno de los exiliados, de los que huyeron de un sistema político oprimente e inhumano”.

“Fue una de las personas que llegaron a México a unirse a un país de una cultura muy rica, y él se sumergió en esta cultura, adoró a ese México, volviéndose mexicano, pero siempre con la mochila que llevaba de su pasado”, refirió.

Precisó que de la revista DYN existieron muchos conflictos, gente que ni quería esa publicación, “movimientos que resultaban antiestatales, todo lo que se necesitaba para estar en un país”.

Adelantó que en el Verano de 2019 se mostrará una exposición en la ciudad de Viena sobre el trabajo artístico de Paalen.

El título de la muestra El mal entendido, a decir del curador, proviene de un texto que el propio Wolfgang escribió para la referida revista, en la que aborda la reconciliación del arte y la ciencia, esta última entendida en diferentes aspectos.

Tomando como antecedentes las acciones y las obras realizadas años antes de su llegada a América, la muestra se integra por diferentes técnicas y formatos, como pintura, escultura, dibujo, objetos y fotografía, provenientes de la Colección del MACG, el Museo Nacional de Antropología, el Museo Nacional de las Culturas del Mundo, el Museo Franz Mayer, el Archivo Miguel Covarrubias, la Galería Óscar Román y la Colección Andrés Blaisten.

Responsive image
0:00
0:00

Guadalajara recibirá arte del pintor portugués José de Almada Negreiros

Manuel Bello Hernández. (Corresponsal). Lisboa, 27 de junio/Notimex. Polifacético y de personalidad exuberante, personaje que abanderó las corrientes más vanguardistas de su época, así fue el pintor portugués José de Almada Negreiros (1893-1970), cuyo arte será expuesto a partir del 22 de noviembre en el Instituto Cultural Cabañas, como parte de las actividades de la Feria Internacional del Libro de Guadalajara (FIL), donde este año Portugal es el invitado de honor.

Bajo el título Lo que dicen las paredes. Almada Negreiros y la pintura mural, es una exhibición curada por Mariana Pinto dos Santos, con la que se busca dar a conocer los murales más importantes del artista plástico por su extensión y su contenido político, y presentarlos junto a los de José Clemente Orozco en dicho recinto cultural.

Aun cuando los estilos de De Almada Negreiros y Orozco fueron diferentes, para la curadora es posible un diálogo por ser contemporáneos, por tener un lenguaje que crea un sentido de comunicación con tanta gente.

Indicó que si bien el artista portugués nunca conoció y tuvo contacto con muralistas mexicanos, cuando falleció José Clemente Orozco estuvo al pendiente. “Sabía lo que estaba pasando”, agregó.

Se expondrán los Tapices de Portoalegre, que reproducen los paneles de la Gare Marítima de Alcántara en la ciudad de Lisboa, y los de Rocha del Conde de Óbidos, que De Almada Negreiros realizó en los años cuarenta; además de los tapices también se exhibirán los bocetos que les dieron origen y se dedicará una sala para una exposición biobibliográfica.

En la Estación Marítima de Alcántara, De Almada Negreiros pintó frescos que reflejan el momento histórico de la vida cotidiana de Portugal.

“Traeremos obra de sus años de preparatoria, documentación y la reproducción de su trabajo mural en tapicería que se encuentra en la estación marítima de Alcántara, en Lisboa”, destacó la curadora.

Para Pinto dos Santos, De Almada, quien vivió en los años de la dictadura portuguesa a principios del siglo XX, “era un artista paradigmático porque se encontraba entre la vanguardia portuguesa de la década de 1910”.

Fue un artista clave para el arte moderno de su país, siendo influenciado por el cubismo y, principalmente, por el futurismo. Durante la dictadura de António de Oliveira Salazar realizó varias obras propagandísticas, pero la mayoría de su trabajo criticó fuertemente a la sociedad de esa época.

José de Almada Negreiros, quien falleció el 15 de julio de 1970, dejó una vasta obra compuesta por pintura, dibujo, teatro, danza, romance, relatos cortos, conferencias, ensayos, libros de manuscritos ilustrados, poesía, narrativa gráfica, pintura mural y artes gráficas, cuya producción se extendió sobre más medio siglo.

Responsive image
0:00
0:00

‘Art Point’, nueva galería en México colmada de pop art y obras clásicas

Estefany Sánchez Veloz. (Corresponsal). México, 26 de junio/Notimex. Una nueva galería de arte abre sus puertas en la Cuidad de México, se trata de Art Point, la primera sala en este país que expone de manera simultánea propuestas de pop art, pinturas clásicas y de retrato creadas por más de 20 nuevos talentos y por artistas consolidados.

La pintora venezolana Karen Rumbos es la fundadora del proyecto que tiene como objetivo fusionar todos los estilos e inspiraciones para crear un recorrido por espacios llenos de colores vivos que transportan a momentos y experiencias diversas.

En entrevista con Notimex, Rumbos explicó: “Decidí crear un mix formado por arte y diseño al que llamo Showroom artístico, con variadas propuestas que en un principio pertenecían a un grupo de artistas cercanos, después la idea se convirtió en un espacio para abrir oportunidad a trabajos realizados por nuevos talentos y por artistas famosos, entre ellos arquitectos, pintores, diseñadores.

“Vamos para cinco meses y planeamos organizar eventos mensuales para inaugurar exposiciones. En verano haremos muestras semanales dedicadas a cada uno de los artistas que conforman este magnífico proyecto”, detalló la artista venezolana.

Entre las obras que Art Point exhibe y vende están las novedosas pinturas animadas de realidad virtual del pintor mexicano Neon Caron. La imagen del cuadro cobra vida cuando se coloca cualquier dispositivo móvil que tenga descargada una aplicación especial frente a ella.

Alemán, un colombiano que se caracteriza por incluir ratones en todas sus obras colaboró con Neon Caron para la creación de dos lienzos en movimiento que usan la aplicación para celular que el artista creó en 2013.

Karen Rumbos, quien estudió pintura con el maestro Sergio Tejero y en el Colegio de Arte, también presenta sus obras caracterizadas por un gran colorido en las que muestra retratos de rostros y diversos animales en peligro de extinción. La obra más característica de la artista es la de un gorila al que define como un animal indefenso a pesar de la fuerza que posee.

“Considero que mis obras plasman dos facetas distintas que me inspiran, la primera es la creación de rostros de mujeres trascendentes a lo largo de la historia pintados al óleo y la segunda son los animales vulnerables que han sido víctimas de la industria de la moda”.

Recalcó su compromiso social al hacer presentes a los animales mediante sus pinturas. “Consumimos muchos productos y desconocemos por completo cómo se obtienen, dañamos hábitats importantes y generamos la extinción de especies. Mi objetivo es crear conciencia a la sociedad y enviar un mensaje de respeto hacia la vida animal”.

Árboles dibujados en sillones de una sala forman parte de la creación de Sofía Castellanos, muralista mexicana que plasma la naturaleza en sus creaciones. Actualmente exhibe una obra alusiva a la Copa Mundial de la FIFA Rusia 2018.

Un gran cuadro conformado por un total de 15 mil etiquetas de ropa forman el rostro de una mujer creado por el taller Nao Estudio integrado por los artistas poblanos Nora Adame y Alejandro Osorio, quienes también emplean telas y listones en sus trabajos.

Esculturas de calaveras, que miden entre 40 y 50 centímetros recubiertas con chaquira y otras bañadas en oro de 14 kilates, muestran un verdadero trabajo artesanal realizado por el arquitecto Marcos Cojab, mejor conocido como AlquimiaMC.

La galería Art Point está ubicada en la calle Séneca número 53, en Polanco, y cuenta con un espacio iluminado amplio y acogedor que pretende “unir a creativos artistas de diversos estilos para mostrar parte de la evolución artística y del diseño mexicano que logre motivar a cientos de artistas a desafiar la modernidad y poner a prueba sus capacidades”.

Responsive image
0:00
0:00

Gregorio Luke presentará en multimedia 200 imágenes sobre Siqueiros

México, 30 de mayo/Notimex. Una visión panorámica de la vida y obra del pintor David Alfaro Siqueiros ofrecerá Gregorio Luke, a través de una presentación multimedia, el próximo jueves en el Centro Universitario Cultural (CUC), con entrada libre.

Luke mostrará más de 200 imágenes, incluyendo escenas cinematográficas de Siqueiros pintando y encarcelado en Lecumberri.

También hablará del mural Mitin Obrero en la ciudad de Los Ángeles, que permanece cubierto, así como la creación del Polyforum Cultural Siqueiros, el mural más grande del mundo, cuya restauración ha sido recientemente anunciada, se informó en un comunicado.

Para Luke, Siqueiros no sólo fue un gran artista, “sino también un pensador que dejó ideas para crear el arte del futuro, los jóvenes deben conocerlo”.

Siqueiros es el más combativo de los artistas mexicanos. Luchó en la Revolución Mexicana y en la Guerra Civil Española. Numerosas veces fue encarcelado, deportado y perseguido por sus ideales políticos.

Pero el muralista es también un revolucionario en el arte. Experimentó con nuevos materiales, es pionero en el uso de la fotografía en la pintura y, sobre todo, concibió un arte dinámico y en movimiento.

Sus imágenes parecen salirse de los marcos, sus murales nos dan la sensación de moverse cuando nos movemos frente a ellos.

En tanto, Gregorio Luke ha sido director del Museo de Arte Latinoamericano MoLAA en California, Agregado Cultural de México en los Ángeles y promotor del Taller Coreográfico de la UNAM.

Ha impartido más de mil conferencias en instituciones como El Smithsonian, la Biblioteca del Congreso, LACMA, el Centro Borges en Argentina, La Bienal de Florencia, el Instituto Nacional de Bellas Artes en México y universidades como la UNAM, Harvard, Columbia y Georgetown entre otras.

Es presidente de ARCOS, institución sin fines de lucro encargada de llevar conferencias multimedia a parques, comunidades y escuelas populares.

Responsive image
0:00
0:00

Presentan restauración de ‘El triunfo de la Muerte’ de Bruegel el Viejo

Madrid, 28 de mayo/Notimex. La obra El triunfo de la Muerte, de Pieter Bruegel el Viejo, fue presentada hoy en el Museo del Prado tras haber tenido uno de los procesos más importantes de restauración, lo que le ha permitido recuperar su estabilidad estructural y su verdadero colorido.

Asimismo, su composición y su técnica pictórica de fuerte personalidad que con movimientos precisos de pincel consigue transparencia en los fondos y prodigiosa nitidez en los primeros planos.

La obra fue intervenida en uno de los procesos más importantes de restauración que ha llevado a cabo durante el último año el Museo del Prado dentro del programa patrocinado por la Fundación Iberdrola España como miembro Protector del mismo.

La obra, procedente de la Colección Real, fue hasta 2011, fecha en la que ingresó en el Museo del Prado El vino de la fiesta de San Martín, la única pintura del artista que se conservaba en España.

Se trata de una obra moralizante que muestra el triunfo de la muerte sobre las cosas mundanas, reproduciendo un tema habitual en la literatura del medievo e influenciado por el Bosco.

La intervención sobre esta excepcional obra fue realizada por María Antonia López de Asiain (capa pictórica) y José de la Fuente (soporte).

En el proceso de restauración, los cuatro paneles horizontales de roble sobre los que está pintada la obra fueron rebajados, en un momento desconocido, para aplanarla y reforzarla con un sistema de engatillado que impedía cualquier movimiento natural de la madera.

Durante el rebaje del soporte a su grosor actual, entre 6 y 8 milímetros, los cuatro paneles que conforman la obra fueron separados y vueltos a unir.

En su adhesión los cantos internos fueron cepillados llevándose consigo parte de la pintura, agresión que se nota sobre todo en los elementos y figuras diagonales de la película pictórica.

La unión entre los paneles no se niveló bien y para subsanarlo se cubrieron las inmediaciones con estucos y repintes que ocultaron parte del original.

En esta separación, además, el panel superior sufrió un accidente que le produjo varias grietas de un extremo a otro.

Dado el estado de conservación del soporte, en esta intervención se eliminó el engatillado para liberar así el movimiento natural de la madera y se nivelaron las grietas y los paneles, llegando a separar el panel superior para equilibrarlo correctamente en el plano.

Una vez acabada la restauración de grietas y uniones se construyó un soporte secundario -un bastidor de madera de haya- con la forma exacta de la curvatura que la obra adoptó una vez liberada del engatillado para darle estabilidad respetando sus movimientos higroscópicos.

La pintura, concienzuda desde su concepción en dibujo hasta el perfilado final de los detalles, se encontraba oculta bajo gran cantidad de repintes de diferentes restauraciones que, después, fueron enmascarados por barnices coloreados para procurarle unidad, transformando completamente su imagen en ocre, casi monocroma.

La obra requirió una limpieza completa que se vio dificultada por la sutileza de la tenue capa de pintura original frente al grosor y dureza de los repintes.

Retirando el repinte general se eliminó el velo cálido añadido por anteriores restauraciones y se descubrieron detalles de pintura original antes ocultos.

Experimentó un cambio de tonalidad general, recuperó los nítidos tonos azules y rojos que la caracterizan y se restableció la complejidad de su composición y la profundidad del paisaje.

Gracias al apoyo de la reflectografía infrarroja y de copias realizadas por hijos del autor empleando el mismo cartón, fue posible la reintegración correcta de pequeños elementos perdidos inventados en tratamientos anteriores con una reconstrucción errónea.

Responsive image
0:00
0:00

Pintor mexicano Akio Hanafuji expone en galería parisina

París, 21 de mayo/Notimex. La galería parisina Etienne de Causans expuso la colección de pinturas Harmonie de Couleurs (Armonía de colores) del pintor mexicano de origen japonés Akio Hanafuji.

La muestra exhibió durante una semana un total de 18 cuadros del artista con motivos coloridos, entre otros, de personas del Estado de Chiapas, una tierra que ha marcado la inspiración y la vida del artista, que se radicó en San Cristóbal de las Casas en 2006.

“Agradezco mucho a México, porque México me recibió como su tierra. Mi vida de artista la he hecho en México”, comentó el artista en la inauguración de la exposición, a la que asistieron representantes del Estado de Chiapas y de la Embajada de México en Francia.

La exposición, que parte esta semana de París rumbo a Italia, fue promovida por el gobierno del Estado de Chiapas “con el objetivo de fortalecer la relación cultural con países de la Unión Europea”.

Fuentes del gobierno chiapaneco destacaron en un comunicado que la obra de Akio Hanafuji “contribuye a la conservación y difusión de la gran cultura maya aún vigentes en el Estado de Chiapas”.

“Desde hace más de cuatro décadas he radicado en México y he tenido la oportunidad de recorrer distintos Estados de la República Mexicana. No fue hasta que conocí Chiapas, que descubrí en dónde querría dejar mi huella”, comentó el pintor, fascinado por el colorido y la magia de la cultura del estado sureño.

“Los últimos 15 años de mi vida, los he dedicado a capturar la esencia de la cultura chiapaneca, plasmándola a través de mi pintura desde mi muy particular punto de vista, y de la misma manera en que fui sorprendido por primera vez y que queda en el alma, su esencia”, agregó.

El artista plástico mexicano, quien llegó a México en 1975 por primera vez quedando marcado para siempre por ese país, expuso en París sus cuadros con otros dos artistas Hideo Chita y Tomoko Kazama Ober.

La muestra expuesta en París será exhibida a partir del próximo 23 de mayo en la Galería Lusenti de la ciudad de Milán, Italia.

El maestro Akio Hanafuji es un pintor mexicano nacido en Osaka, Japón. En los años 70 del siglo XX realizó un postgrado en México y conoció a Rufino Tamayo quien se convirtió en su mentor.

Responsive image
0:00
0:00

Artista Agusto Ballardo es nominado para premio EG Latin America

Bogotá, 20 de mayo/Notimex. El premio EG Latin America Art Award en asociación con la fundación ArtNexus, anunció a Augusto Ballardo, de Galería Impakto, como artista nominado para premio de adquisición.

La pintura Plumario Miniatura Chimú, fue seleccionada en la feria de arte internacional Art Lima, con la colaboración del actualmente curador de Guggenheim UBS MAP Global Art Initiative, Pablo Léon de la Barra, junto a Celia Sredi, directora y editora de ArtNexus.

El premio EFG Latin America ART Award fue creado para apoyar la producción de artistas latinoamericanos cuya obra es pre-seleccionada a través de un jurado que se da cita en cinco ferias de arte contemporáneo de América Latina a largo de cada año.

El galardón tiene como objetivo promover la producción de artes visuales del continente y las ferias regionales entre los coleccionistas de todo el mundo.

Este año las ferias son: SP Arte en São Paulo; Art Lima, en Lima; arteBA en Buenos Aire; Ch.ACO en Santiago de Chile y ArtBo en Bogotá.

Responsive image
0:00
0:00

Celebra Guillermo Ceniceros 60 años en el arte con magna exposición

  • Del 24 de mayo al 24 de junio presentará La sombra de lo que va a suceder en el Museo José Luis Cuevas

Juan Carlos Castellanos C. (Especial). México, 18 de mayo/Notimex. El artista plástico Guillermo Ceniceros (Durango, 1939), graduado de la Escuela de Artes de la Universidad de Nuevo León en 1958, y con más de 300 exposiciones realizadas entre 1956 y 2014, celebra 60 años inmerso en la creación artística.

“60 años no son tan fáciles de decir. Muchos de ellos han sido dedicados tercamente al lenguaje de la pintura, de la composición del color y del aprendizaje, que es una forma de ir aprendiendo ese mismo lenguaje; son muchas horas de trabajo efectivo y constante, con un lenguaje imaginario mediante los pensamientos propios o de otros artistas”, señaló el pintor a Notimex.

Ceniceros es amante de la literatura y la poesía con un profundo interés en el lenguaje. Observando cada obra, el público descubre que Ceniceros es un artista figurativo. La temática de su arte está en el estudio de las formas y el espacio, y el sujeto armónico femenino que es su catalizador poético, elementos reconocidos ampliamente en el mundo.

“Muchos de mis personajes no tienen expresión, porque es muy fácil poner figuras tristes o sonrisas para rostros alegres. Mi idea no es captar ni la tristeza ni la alegría, sino poder capturar el misterio y alcanzar la poesía”, dijo quien colaboró con David Alfaro Siqueiros en siete de sus murales, destacando La Marcha de la Humanidad, en el Polyforum Cultural Siqueiros.

El maestro Guillermo Ceniceros es un pintor y muralista curioso e investigador, por lo que ha inventado la mayoría de sus herramientas de trabajo, aunque permanentemente tiene las palabras “poesía” y “misterio” en su quehacer, porque sostiene que no existe más misterio y poesía que las mujeres, mismas que son temas básicos de sus pinturas.

“Para muchos artistas a lo largo de la historia del arte, comenzando por los pueblos primitivos, y luego los griegos como máximos exponentes del realismo corporal, la figura emblemática es la mujer, como elemento relacionado a la creación; esa es una manera de perpetuarla”, anotó para informar sobre su muestra La sombra de lo que va a suceder.

En esa exposición se muestran obras de composiciones muralistas en tres lienzos de 3×3 metros y más de 20 rostros. Son 50 obras que serán exhibidas del 24 de mayo al 24 de junio en el Museo José Luis Cuevas con motivo de la celebración de sus 60 años como pintor, entre colores rojos, ocres o colores oscuros, y a veces, algunos azules plasmados en paisajes montañosos.

A decir de Ceniceros “hay pintores de blanco y negro que son muy apreciados, por ejemplo en Japón y China, donde el uso de la tinta negra en el papel blanco es muy común. Eso me atrae mucho, por lo que he trabajado por igual el papel con el blanco y el negro en mis grabados o dibujos, no soy un colorista, pero trabajo con los colores básicos, cálidos, y algunas veces como reto me pongo a trabajar en azules”.

Al paso de 60 años, Ceniceros ha tenido numerosos reconocimientos. En 1969 ganó el Premio de Pintura SEP. Y en 1999 fue el único mexicano nominado al concurso de Arte Mundial. Fue el creador de los murales que se encuentran en las estaciones Copilco y Tacubaya del Metro de la Ciudad de México, además de muchas obras en instalaciones oficiales del gobierno mexicano.

En 2009 se publicó un libro en homenaje al pintor por sus 70 años. Para conmemorar el Bicentenario de la Independencia Mexicana, donó un mural para la Cámara de Diputados en la Ciudad de México. Su obra forma parte de museos y galerías en todo el mundo. En su estado natal, Durango, se hizo reconocimiento a la obra de este maestro, con el Museo de Arte Contemporáneo Guillermo Ceniceros, albergando obra de él y otros artistas.

A la fecha, ha expuesto en Martin Gallery Minneapolis (Estados Unidos), Museo Nacional de La Habana (Cuba), Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago de Chile (Chile), Museo Guayasamín, Quito (Ecuador), Atelier Guayasamín, Caracas (Venezuela), Puchry Studio, La Haya (Holanda), Museo de Arte de Nagoya (Japón), Galería Nacional para Arte Extranjero (Bulgaria), Escuela Nacional de Administración, París-Estrasburgo (Francia) y centenares de recintos y ciudades de México y el resto del mundo.

 

Responsive image
0:00
0:00