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Pintor Antonio Muñiz presenta la técnica fumage a través de exposición

México., 18 de abril/Notimex. Con pinturas llenas de color y sombras, se inauguró en la sala principal de la Galería Oscar Román, la exposición Fuera de este mundo del artista mexicano Antonio Muñiz, quien mediante la técnica francesa fumage presenta dimensiones múltiples a través de los lienzos.

En entrevista con Notimex, Antonio Muñiz explicó: “Cada una de las pinturas que realizó son mundos que desde niño imaginaba, la realidad nunca me ha gustado, gracias a la imaginación es posible escapar. Y es eso lo que quiero transmitir, salir de lo cotidiano para entrar a un mundo mágico donde somos libres”.

“Estudié arquitectura, la carrera me dio las bases artísticas para pintar y actualmente me dedico al arte, a plasmar lo que había en mi mente desde hace mucho tiempo”, dijo.

El pintor señaló que con la obra pretende liberar el pensamiento, no ver un mundo rígido donde todo es negro y blanco, abrir la mente a “La zona gris”, misma que definió como “un espacio sin prejuicios ni lineamientos en donde nos permitimos interactuar con nuestro medio ambiente liberándonos de la dualidad de las respuestas condicionales.

“Despertando un descontrol de uno mismo, lo cual nos pudiera dejar vulnerables y también nos pudiera abrir la puerta de las vibraciones de nuevas perspectivas”.

Oscar Ramón, director de la galería, aseguró: “Es un gran honor tener las obras de Antonio Muñiz, un artista en toda la expresión de la palabra”.

La exposición estará abierta al público en la Galería Oscar Román, ubicada en Polanco hasta el 11 de mayo, en un horario de lunes a viernes de 10:00 a 19:30 y los sábados de 11:00 a 15:00.

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Eugène Delacroix, un pintor romántico con una pincelada vibrante

México., 16 de abril/Notimex. El pintor romántico Eugène Delacroix es recordado a 220 años de su nacimiento por el uso del color en la naturaleza embravecida, que amenaza a los sujetos de sus obras en escenarios trágicos, como se muestra en la pintura Dante et Virgile aux enfers.

Su paso por el mundo inició el 26 de abril de 1798, fue el cuarto hijo de Victoire Oeben y Charles Delacroix, aunque algunas teorías colocan a Charles-Maurice de Talleyrand-Périgord como su verdadero padre debido al parecido físico con el futuro artista.

El portal de la Enciclopedia Británica informó que hasta los 17 años realizó estudios clásicos. No obstante gracias a su familia, que estaba ligada al arte, Delacroix generó un gusto enorme por la música y el teatro.

En 1815 se convirtió en discípulo del pintor Pierre-Narcisse Guérin (1774-1833), posteriormente de Antoine-Jean Gros (1771-1835) y Barón François Gérard (1770-1837), de quienes adquirió los rasgos estilísticos característicos en su obra.

Siete años más tarde expuso su primera obra maestra, Dante y Virgilio en el Infierno, que inspirada en la Divina Comedia de Dante Alighieri (1265-1321) es considerada como una de las obras fundamentales en el desarrollo de la pintura romántica del siglo XIX en Francia.

En 1824 Delacroix presentó un cuadro que evidenció su madurez como artista, la Masacre en Chios, gran lienzo que representa la masacre de los griegos por los turcos en la isla de Chios.

Son esas creaciones las que lo convierten en la gran figura del Romanticismo francés, estilo en el que desarrolló obras particularmente significativas como: La muerte de Sardanápalo y La libertad guiando al pueblo.

En cuanto a este último óleo de 2.60 metros por 3.25 metros, en el artículo homónimo, escrito por la especialista Maricruz Cantos Arnedo, y publicado por la Universidad de Valencia se nos dice que muestra una composición piramidal.

Ésta “se forma mediante cuatro planos; las figuras de los muertos en él primero, entroncando con el malherido, el burgués, el niño, el proletario y la mujer con el brazo alzado con la bandera”.

A esto añade que la mujer que ondea la bandera, es una alegoría a la libertad, así como la igualdad, y que esta pintura histórica marca el final del régimen de la Monarquía restaurada, en Francia, así como la afinidad de ideas de Delacroix con el liberalismo revolucionario.

En 1832, Delacroix viajó a África, experiencia que dio como resultado un amplio repertorio de temas que plasmó en más de 100 cuadros, entre los que destacan: Fanáticos de Tánger y Argel en su apartamento.

La técnica de Delacroix se compone de grandes contrastes de colores aplicados con pequeños golpes de pincel creando un particular efecto de vibración que influyó de forma importante en los impresionistas, se explica en el sitio renoirinc.com.

Al final de su vida se convirtió en el gran decorador de interiores en París, con obras relevantes para los palacios Borbón y de Luxemburgo, así como el Louvre y la iglesia de Saint-Sulpice, por lo que trascendió como uno de los personajes más ilustres de su tiempo.

Durante ese período también pintó varios lienzos de gran formato, en particular dos para el Museo de la Historia de Versalles: La batalla de Taillebourg y la Entrada de los cruzados en Constantinopla.

Eugène Delacroix murió a los 65 años el 13 de agosto de 1863, en su apartamento de la calle de Furstenberg, en París, dejando un legado de más de seis mil dibujos, acuarelas y grabados.

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Atribuyen ‘La Gioconda del Prado’ a discípulo español de Leonardo Da Vinci

Roma, 13 de abril/Notimex. Una serie de imágenes y escritos ocultos han sido descubiertos en el cuadro La Gioconda del Prado, de autor hasta ahora desconocido pero que según las últimas investigaciones habría sido pintado por un discípulo español de Leonardo da Vinci.

Esas son las conclusiones a las que llegó el italiano Comité Nacional para la Valorización de los Bienes Históricos, Culturales y Ambientales tras una serie de estudios realizados a la obra custodiada en el Museo del Prado de Madrid y que copia la célebre Gioconda o Monna Lisa de Da Vinci, expuesta en el Louvre de París.

El historiador Silvano Vinceti, presidente del Comité, informó que Roberto Biggi, del equipo científico de la misma organización, sacó a la luz una serie de imágenes y escritos invisibles a simple vista, gracias al uso de lentes de aumento especiales con los que fue estudiada la obra del Museo del Prado.

Explicó que esos enigmas fueron sometidos a una interpretación simbólica e histórica hecha posible gracias a la colaboración del historiador español José Luis Espejo.

En particular, apareció un rostro masculino en el trasfondo del paisaje que reproduciría la semblanza de un moro.

También salió a la luz un castillo de estructura octagonal típica de la arquitectura catalana. Vinceti recordó que el plano octagonal fue utilizado por los Caballeros Templarios.

Asimismo, fueron identificados un puente y una iglesia a pocos pasos que pertenecerían a Castellvell i el Vilar, una localidad cercana a Monserrat.

“Se trata de descubrimientos importantes que nos permiten dar una respuesta sobre quien fue el autor de esta pintura, que puede ser solamente español y que sería el pintor Fernando Yáñez del Almedina”, dijo Vinceti.

Resaltó que ese discípulo muy probablemente estaba en el taller de Leonardo en 1505, cuando el genio toscano se encontraba en Florencia realizando los bocetos para el cuadro la Batalla de Anghiari, que le fue comisionado por el gobernador florentino Pier Soderini.

Explicó que tales descubrimientos fueron posibles con el uso de lentes de aumento especiales y de la técnica del Photoshop, gracias al trabajo del ingeniero Roco Bruno, también miembro del equipo del Comité.

“La combinación de estas técnicas permite sacar a la luz los misterios escondidos en las pinturas”, resaltó Vinceti.

La Gioconda del Prado fue realizada casi en paralelo a su gemela del Louvre de París, aunque se ignora cuándo es que entró a formar parte de la Colección Real española.

Hipótesis de algunos historiadores han apuntado que habría sido llevada a Madrid por el escultor Pompeo Leoni, quien poseía bocetos y dibujos de Da Vinci.

En enero de 2012 y luego de que la obra fuera sometida a una restauración, se anunció en Londres que pertenecía a la escuela leonardesca.

Los trabajos de análisis y restauración de entonces fueron realizados para que el cuadro pudiera ser expuesto al lado de su gemelo parisino y revelaron sorprendentes similitudes entre ambos.

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Museo del Prado realza trabajo de bocetos de Rubens

Madrid, 06 de abril/Notimex. El Museo del Prado presentó hoy la exposición Rubens. Pintor de bocetos, en la que realza el valor que tiene este trabajo del autor, que en su momento se consideraba una herramienta, pero también adquirió un valor artístico.

La muestra, que estará abierta hasta el próximo 05 de agosto, reúne 73 de los casi 500 bocetos que el artista flamenco Pedro Pablo Rubens (1577-1640) pintó y que permiten conocer cómo hizo de estos una manera de proceder a crear.

El jefe de conservación de pintura flamenca y escuelas del norte del Museo del Prado y comisario de la exposición, Alejandro Vergara, explicó que los bocetos “eran multifuncionales, porque por un lado los enseñaba a clientes, a sus ayudantes y principalmente para él mismo seguir con el cuadro”.

La aportación de Rubens, como se aprecia en estos bocetos, es que se adentra en hacerlos más detallados, en óleo, algunos con claras señales de que son trazados, pero sin acabar y otros de mucho avance.

Vergara precisó que “son bocetos variados en el tipo de pincelada y en el color, hay varios que se hicieron para preparar una estampa, grabados blanco y negro, otros tienen tono más color, los hay de pincelada cuidadosa, siempre son cuadros menos terminados que los finales, se ve la preparación, huecos no llenos”.

El experto aclaró que en su momento esos bocetos no eran hechos para venderse, porque el arte de la época buscaba el cuadro ya terminado, pero hay casos en los que el cliente pidió conservar los grabados preparatorios.

Recalcó que eso ocurrió con los jesuitas de la catedral de Amberes, quienes le encargaron dos piezas y en un momento quisieron también los bocetos para alternarlos con los cuadros ya acabados.

La exposición incluye los cinco pequeños bocetos para las pinturas del techo de la iglesia de los jesuitas de Amberes de los museos Ashmolean en Oxford, Boijmans en Róterdam, la galería Národní en Praga y la Gemäldegalerie de Viena.

Entre otras obras, se mostrará la Serie de Aquiles y la Serie de la Eucaristía, conservada por el Prado y a la que se une un boceto procedente del Art Institute de Chicago.

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Jean-Honore Fragonard fue un talentoso pintor del rococó

Jean-Honoré Fragonard, ‘El columpio’. Óleo sobre tela, 1767

México., 04 de abril/Notimex. Jean-Honore Fragonard, nacido el 5 de abril de 1732 en Grasse, Francia, fue un grabador y pintor francés que se identificó con la corriente del rococó, cultivó el retrato y el paisaje, así como la pintura mitológica y la religiosa.

Fue hijo de un camisero, François Fragonard, y su esposa Françoise Petit. Cuando tenía seis años su familia se mudó a París, donde comenzó a estudiar pintura por consejo de un abogado que notó su habilidad para el dibujo, así lo informó la Enciclopedia Britannica.

El pintor de motivos mitológicos, François Boucher (1703–1770), aceptó ser su maestro en 1748, y cuatro años después de terminar su enseñanza, le recomendó concursar para la escuela Prix de Rome.

El 17 de septiembre de 1756 ingresó a la academia francesa en Roma, donde aprendió de los pintores barrocos, y junto a su amigo Hubert Robert realizó algunos bocetos de la ciudad.

Cinco años después regresó a su país, y en una exposición de paisajes fue seleccionado para realizar un trabajo para el rey Louis XV.

Poco después de ese encargo, comenzó a hacer una serie de retratos de hombres ancianos, así como de otro tipo, donde se pueden observar las marcadas facciones de sus modelos.

En 1769 se casó con Marie-Anne Gérard, quien era una mujer del mismo poblado del que él.

En el sitio Aparences se informó que Jean-Honore Fragonard era un artista interesado en diferentes técnicas pictóricas, como las que llegaron a utilizar Rembrandt y Franz Hals, las cuales estudió, utilizó y adaptó a su estilo.

También utilizó elementos de la pintura veneciana, la cual estaba interesada en el color y la forma, apoyado por las texturas, donde se muestran figuras delicadas, de ensoñación.

Una de sus obras más reconocidas es El columpio, el cual muestra a una joven con un vestido rosa, elevándose en dicho juego, con dos jóvenes en la escena creada por flores y árboles frondosos a su alrededor.

Javier Padilla Fischer escribió en su investigación El simbolismo en El Columpio de Fragonard, que la obra está cargada de erotismo, por las implicaciones que hay, como el cupido, la muestra del tobillo, así como la ligereza con la que se mueve.

El pintor del rococó falleció en 1806, en el olvido producido por la revolución, así como la pérdida de su posición.

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Rendirán homenaje póstumo a Saturnino Herrán en la Feria de San Marcos

México, 03 de abril/Notimex. El pintor mexicano Saturnino Herrán, considerado el precursor del muralismo nacional, recibirá un homenaje póstumo en la Feria Nacional de San Marcos para conmemorar el centenario de su aniversario luctuoso.

Con dicho reconocimiento, se marca la temática de la programación cultural de este encuentro, a realizarse del 14 de abril al 07 de mayo, y que estará conformada por 250 actividades y la participación de mil 750 artistas locales, nacionales e internacionales, se indicó en un comunicado de prensa.

Dentro de las actividades están la exposición de más de un centenar de obras titulada Saturnino Herrán y otros modernistas, coordinada por el Museo Nacional de Arte y el Museo de Aguascalientes y el espectáculo multidisciplinario Los colores de Herrán, el más mexicano de los pintores, bajo la dirección artística de Antonio Del Toro y la participación de 200 artistas locales.

El programa incluye la ceremonia de entrega de la edición número 50 del Premio Bellas Artes de Poesía Aguascalientes, organizado por el Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) y el Instituto Cultural de Aguascalientes que comprende un reconocimiento que será entregado al poeta Balam Rodrigo, por el Libro centroamericano de los muertos.

Miguel Ángel Vargas Gómez, director de Promoción y Difusión del Instituto Cultural de Aguascalientes, anunció, en declaraciones replicadas por el documento, que habrá teatro, danza, música, exposiciones, conferencias y presentaciones de libros.

Como todos los años, el Foro del Lago ubicado en el corazón de la feria, será el punto de encuentro de artistas de ocho países provenientes de Colombia, España, Argentina, Japón y de los estados de Nuevo León, Puebla, Michoacán, Durango y Ciudad de México, entre otros.

En tanto, los jóvenes podrán deleitarse con la programación que impulsa a la música joven emergente de la región que tendrá lugar en el Foro El Cuartel del Arte con una selección de 40 bandas de distintos géneros musicales.

“En el Instituto de Cultura de Aguascalientes desde el año pasado y éste, abrió una programación para llegar a varios de los 11 municipios del estado, con el objetivo de descentralizar la programación cultural de este encuentro además de los 12 foros distribuidos en el recinto ferial”, agregó.

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Subastarán obra ‘El marinero’ de Picasso

Redacción/en Contacto Digital. Xalapa, Ver., 03 de abril de 2018. La casa de subastas Christie´s, informó que subastará el próximo 15 de mayo el autorretrato de Pablo Picasso titulado El Marinero. 

La casa de subasta previó que la puja recaudaría 70 millones de dólares.

El cuadro fue pintado por Pablo Picasso en 1943 cuando vivía bajo la ocupación alemana en Paris y temía ser detenido por la Gestapo (policía secreta oficial de la Alemania nazi).

“La imagen está inmensa en un ambiente algo sombrío”, describió el vicepresidente de Christie´s, Conor Jordan sobre la obra de arte.

Con información de El Universal

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Vincent van Gogh uno de los grandes artistas del postimpresionismo

México, 29 de marzo/Notimex. Considerado uno de los más grandes artistas postimpresionistas, el pintor neerlandés Vincent van Gogh fue el más influyente en el arte a fines del siglo XIX y principios del XX, por su utilización de colores llamativos, pinceladas enfáticas y contornos.

Hace 165 años, un 30 de marzo de 1853, nació en Groot-Zundert, Holanda. Considerado por muchos como el máximo exponente del postimpresionismo, fue amigo de artistas de la época como Émile Bernard, Toulouse-Lautrec y Paul Gauguin, con quien tuvo una relación muy estrecha.

Su madre lo enseñó a pintar y a fabricar sus propios colorantes, pero su primer contacto con el arte lo tuvo a los 17 años cuando fue aprendiz en la galería de arte Goupil, en La Haya, Holanda.

A sus 20 años se enamoró de Eugenié Loyer, hija de la dueña del lugar donde vivía, tiempo después de su prima Kee Stricker y posteriormente de una mujer con sífilis llamada Clasina Hoornik.

De acuerdo con el portal vangoghgallery.com, Van Gogh se quedó en Bélgica a estudiar el arte, dedicado para dar felicidad creando belleza.

Las obras de este periodo temprano en Holanda son pinturas de género muy iluminadas y de tonos sombríos, donde destaca Los comedores de papas (1885).

Experimentó con técnicas de la época influido por el arte japonés y los impresionistas Camille Pissarro y Georges Seurat. Entre sus obras más conocidas se encuentran La noche estrellada (1889), Los girasoles (1888) y Terraza del café de la Place du Forum en Arles por la noche (1888).

Tuvo una estrecha relación con su hermano menor Theo, quien siempre estuvo pendiente de él y murió seis meses después del pintor. A la fecha se han publicado más de 700 cartas de Van Gogh para su hermano.

En 1888, en una de las tantas peleas con Paul Gauguin, Van Gogh se cortó la oreja derecha al sentir remordimiento por amenazarlo con una navaja. Después le regaló la oreja a una prostituta de Francia.

Ese febrero de ese mismo año se trasladó a la localidad de Arlés, en el sur de Francia. Su estancia de poco más de un año en este lugar se tradujo en unos 200 lienzos.

La habitación de Van Gogh en Arlés (1888) es uno de los más célebres. Representa el dormitorio del pintor, tema que trató en varias ocasiones con el deseo de expresar la idea de un “completo descanso” a través únicamente del uso de colores claros y empastados.

Noche estrellada (1888), una obra donde las ondulaciones sacuden una visionaria representación del cielo y un reflejo de una abrumadora angustia interior, le valió al artista ser considerado un genio precursor del expresionismo.

Estuvo internado en el manicomio de Saint-Rémy y durante sus periodos de lucidez se le permitió pintar. Esta situación se prolongó hasta mayo de 1890 y produjo unas 150 pinturas de fresco colorido.

El portal biografiasyvidas.com describe que en mayo de 1890 se trasladó a París para visitar a su hermano Theo. Por consejo de éste viajó a Auvers-sur-Oise, donde fue sometido a un tratamiento homeopático por el doctor y pintor aficionado Paul-Ferdinand Gachet.

En este pequeño pueblo retrató el paisaje y sus habitantes, intentando captar su espíritu. Su estilo evolucionó formalmente hacia una pintura más expresiva y lírica, de formas imprecisas y colores más brillantes.

Después de terminar el cuadro Cuervos sobre el trigal (1890), se disparó en el estómago. Se arrastró hasta su casa y murió dos días después, el 29 de julio de 1890, en brazos de su hermano, a la edad de 37 años.

“Yo arriesgué mi vida por mi trabajo, y mi razón siempre fue menoscabada”: estas son las palabras de Vincent en su última carta encontrada en su bolsillo el día de su muerte.

El sitio todoincluidolarevista.com detalla que realizó aproximadamente cerca de dos mil 160 obras en total, de las cuales 860 son óleos y mil 300 son acuarelas, dibujos y bocetos, entre otros más.

El 02 de junio de 1973 fue inaugurado en Ámsterdam el Museo Vincent van Gogh.

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Museo Picasso de París inaugura exposición sobre el ‘Guernica’

París., 27 de marzo/Notimex. El Museo Picasso de París inauguró hoy martes una gran exposición sobre el origen y la repercusión de Guernica, la obra maestra del pintor español Pablo Picasso, que el artista pintó en la capital francesa hace 81 años.

Pese a no mostrar el cuadro, la exposición recorre en doce salas todos los aspectos de la obra emblemática del siglo XX convertida en un icono mundial de la paz a lo largo de las últimas ocho décadas.

La muestra dedica un amplio apartado al contexto histórico que inspiró a Picasso la imponente pintura, de más de tres metros de alto por siete de largo, encargada por el gobierno de la II República española para el pabellón español de la Exposición internacional de 1937 celebrada en París.

El cuadro está inspirado en el bombardeo fascista contra civiles del poblado vasco-español de Guernica, norte de España, ocurrido el 26 abril de 1937 durante la Guerra Civil española y que conmocionó a la sociedad de la época.

“Picasso se enteró de la noticia por los periódicos” y tomó los detalles trágicos para pintar su cuadro de la masacre “sobre un fondo del cuadro que va a oscurecer con un tratamiento muy negro” comentó la conservadora del Museo Picasso, Emilia Philippot.

La evolución del proceso de creación de la pintura, en la que Picasso invirtió un mes de trabajo en un granero de una calle de la orilla izquierda parisina cercano al río Sena, se muestra a través de fotos tomadas por de la pareja de Picasso, la fotógrafa Dora Maar.

“Se ve el proceso creativo, como fue recibido, su relación con el arte contemporáneo y la génesis extraordinaria gracias a un conjunto excepcional” de piezas, resaltó a la prensa el director del Museo Picasso, Laurent Le Bon.

Entre otras, figura una decena de los cuarenta estudios previos de dibujo que el pintor realizó para pintar el cuadro que finalizó en junio de 1937.

Además del contexto del cuadro, la exposición muestra cinco Guernicas contemporáneos pintados por distintos artistas que reflejan interpretaciones del cuadro e indaga en su parte final en la influencia que dejó la histórica pintura en el arte universal y en otros artistas en particular.

“La obra monumental es a la vez una síntesis de investigaciones plásticas realizadas por Picasso y un icono popular. Expuesta, reproducida por todo el mundo, fue a la vez un símbolo antifranquista, antifascista y pacifista”, comentó la curaduría de la muestra en el comunicado de la exposición.

La prensa francesa ha lamentado que la exposición dedicada al Guernica no exhiba el cuadro.

“Es el gran desafío de este proyecto”, hablar del Guernica sin exponerlo, reconoció el director del Museo Picasso, Laurent Le Bon.

La explicación oficial es que el cuadro, que se conserva y exhibe en el Museo Reina Sofía de Madrid, España, se encuentra en un estado frágil para viajar.

La historia del cuadro está marcada por la historia del siglo XX en España. Durante más de cuarenta años, se conservó en el Museo de Arte Moderno MOMA de Nueva York debido al rechazo del pintor de que se instalara en España durante la dictadura del general Franco (1939-75)

Con la recuperación de la democracia en España luego de la muerte del dictador, el cuadro regresó a España y se instaló definitivamente en Madrid en 1981.

La exposición permanecerá expuesta hasta el próximo 29 de julio.

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Museo Metropolitano de Monterrey exhibirá obras de Rivera y Siqueiros

Monterrey, 26 de marzo/Notimex. Con el auspicio de la Dirección General de Promoción Cultural y Acervo Patrimonial de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público (SHCP), el Museo Metropolitano de Monterrey presentará del 12 de abril al 09 de julio próximos, la exposición Acervos Artísticos de la Nación, integrada por 101 obras de 94 artistas.

El alcalde regiomontano, Adrián de la Garza Santos, junto con curadores de la SHCP, mostraron este fin de semana tres de las obras que serán expuestas a partir del próximo mes en el espacio museístico.

Las obras mostradas son las pinturas: Inmolación (1969) de David Alfaro Siqueiros; La Venus fotogénica (1935) de Rufino Tamayo, y Lucila y los Judas (1954) de Diego Rivera, que ahora estarán en custodia del municipio de Monterrey, para exponerlas en dicho recinto.

La colección que se mostrará, está considerada como de las más grandes por su calidad y más importantes de Latinoamérica; está planteada como una revisión histórica de la plástica mexicana.

Representa cinco siglos de arte en México, los cuales son abarcados, desde la época colonial hasta la contemporánea, e incluye pintura, dibujo, grabado, fotografía, escultura, arte objeto y mobiliario antiguo de artistas nacionales e internacionales.

Estará dividida en módulos temáticos que permitirán al público transitar de forma natural por las obras de estas dos colecciones históricas.

A lo largo del siglo pasado hasta el día de hoy, la SHCP ha logrado consolidar dos colecciones de gran valía cultural para México: el Acervo Patrimonial y la Colección Pago en Especie.

Con ello, se ha logrado integrar un significativo patrimonio artístico que actualmente se identifica como una de las colecciones de Estado más relevantes de nuestro país.

Al respecto, el alcalde regiomontano manifestó que la muestra “es una buena oportunidad para venir a conocer una de las obras más importantes y más grande que tiene el país y está aquí en el Museo Metropolitano de Monterrey, hay que aprovecharlo los regiomontanos y todos los del área metropolitana y de otros estados también”.

En tanto, el director de Cultura de Monterrey, Luis Nevárez Olivares, indicó que la exhibición de los Acervos Artísticos de la Nación, incluye pintura, dibujo, grabado, fotografía, escultura, arte objeto y mobiliario antiguo.

En este marco, añadió, se expondrán obras de Juan Correa, Salvador Dalí, Juan Soriano, José Luis Cuevas, Pedro Coronel, Rafael Coronel, Leonora Carrington y Francisco Toledo, entre muchos otros.

“Es la primera ocasión que el Museo Metropolitano de Monterrey recibe una colección de éstas dimensiones, nunca se había tenido una exposición de éstos niveles, está considerada de las más importantes del país”, resaltó el funcionario municipal.

La exhibición se abrirá al público el 12 de abril en las salas Zaragoza, Corregidora, Hidalgo y Claustro Alto del Museo Metropolitano en horario de martes a domingo de 10:00 a 18:00 horas y estará hasta el 09 de julio próximo con entrada libre.

Acervos Artísticos de la Nación se presentó por primera ocasión en marzo del 2017 en el Hospicio Cabañas de Guadalajara, Jalisco y en el Museo de Arte Contemporáneo Ateneo de Yucatán (MACAY), en octubre del mismo año.

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