Etiquetas: Pintura


Exhiben parte de la colección de Betsy Pecanins en ‘Taller 138’

Luis Galindo. (Corresponsal). México, 06 de septiembre/Notimex. Una parte de la Colección Pecanins, integrada por obras de José Luis Cuevas, Arnaldo Coen, Manuel Felguérez, Helen Escobedo y Alberto Gironella, entre otros destacados artistas plásticos, se muestran en la exposición Ruptura I, que se inauguró en el espacio Taller 138.

Ana Teresa Álvarez Taylor, hija de la cantante, compositora y productora mexicana de origen estadunidense, mencionó que ese proyecto nació luego de que falleció su mamá, a quien le había quedado una tercera parte de la colección total de la Galería Pecanins, que pertenecía a su abuelita Ana María.

“Ella, mi madre se queda con la colección, pero entre los proyectos que tenía, entre ellos el disco Ave Fénix, realmente no tuvo tiempo para enfocarse en lo que era la obra. Todo se quedó en mi casa, en un cuartito”, relató la joven en entrevista con Notimex.

Álvarez Taylor, conocida como Tessa Álvarez, recordó que cuando falleció Betsy Pecanins (1954-2016) se preguntó qué pasaría con todo eso, pues es parte del legado de su madre y parte del legado de su abuelita.

“Por lo que primero era asesorarme y buscar cómo moverme. El disco finalmente se llevó a cabo con la banda de mi madre, eso me dio tiempo para dedicarme a buscar a la persona que se dedicara a volver a rescatar este legado, porque no soy galerista ni artista plástica”, comentó Tessa.

Mencionó que entonces apareció Mario Llaca y se abrieron las puertas del espacio Taller 138 para conformar la exposición Ruptura I, en la que se mantendrá vigentes del 05 al 30 de septiembre.

Mario Llaca, fundador de la galería, comentó en entrevista con Notimex, que la  exhibición es una reinterpretación del acervo de la Colección de Betsy Pecanins que proviene de la Galería Pecanins.

Se integra por 26 piezas que conforman 50 años de lo que es la llamada Ruptura, que incluye piezas de destacados artistas plásticos como José Luis Cuevas, Arnaldo Coen, Alberto Gironella, Gabriel Ramírez, Gabriel Macotela, Rodolfo Nieto y Kazuya Zakai.

“Este proyecto nació a partir de rescatar el acervo que estuvo guardado en la casa de Betsy. Después de que falleció su hija se acercó a nosotros y nos pidió que cuidáramos la obra y nos dimos a la tarea de catalogarlo y organizarlo”, detalló el galerista.

Ruptura se divide en tres muestras, la siguiente será en diciembre y en algún momento de 2019 vendrá la tercera, de la Colección de Betsy Pecanins, conformada por 986 piezas, entre gráfica, pintura, escultura y escultura.

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Artistas exponen arte rupestre combinado con el actual en el MNA

México, 04 de septiembre/Notimex. Los universos simbólicos de las pinturas rupestres encontradas en México fueron recreados en la obra de 12 artistas de la actualidad, las cuales se exhiben en el Museo Nacional de Antropología (MNA).

La oficina de la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (Unesco) inauguró la muestra Rupestre, 7000 años de arte contemporáneo, como parte de la celebración de sus 50 años en el país.

Monotipos, acrílicos, frescos, collage, pigmentos oleosos y tinta china, así como instalación y video son las obras de los artistas contemporáneos, entre los que destacan Alberto Castro Leñero, Teresa Cito, Perla Krauze, Roberto Rosique, Susana Sierra y Paloma Torres.

Durante la inauguración, el director del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), Diego Prieto, destacó que los artistas se expresan en una muestra no sólo creativa, sino también de recuperación de la experiencia humana universal.

Señaló que esta exposición es un acierto que articula de manera virtuosa el pasado y el presente, “siete mil años de presencia humana y otros más, miles de años en América, con estos 50 años de presencia de la Unesco en nuestro país y también la arqueología con la antropología, la historia con la creación contemporánea, la imaginación con la ciencia”.

A través de sus obras, los artistas apelan a un diálogo que es necesario entre el hombre contemporáneo y el milenario, un diálogo que siempre será fructífero como lo es el que debe darse entre los humanos que actualmente habitamos el planeta.

A su vez, la representante de la oficina de la Unesco en México, Nuria Sanz, señaló que el arte rupestre pertenece a toda la humanidad, pues son más de 150 países los que cuentan con archivos nacionales de arte rupestre.

“Después de más de 200 mil años de recorrido, el Homo Sapiens llega a América y no hay país en este continente que tenga más acervos rupestres ‘in situ’, tan numerosos y diversos, como México”, refirió.

Destacó que el arte rupestre es lo que más une el tiempo de la creación plástica humana, “pues está en todas las geografías del planeta, pero lamentablemente se está perdiendo, por lo que Rupestre es una muestra de la riqueza creativa actual, pero también un mensaje de conservación”.

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Exponen obras de Siqueiros, Rivera y Clemente Orozco en Puebla

Puebla, 17 de agosto/Notimex. La Galería de Arte del Complejo Cultural Universitario de la BUAP abrió al público la exposición Plástica Mexicana 1850-1940. Colección Privada Poblana, la cual reúne obras de 71 artistas como José María Velasco, José Clemente Orozco, Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros, entre otros.

La exposición incluye 133 piezas y está organizada en siete secciones: Academia de San Carlos, Pintura de Caballete Siglo XIX, Mujeres en la Plástica Mexicana del Siglo XX, Muralismo Mexicano, Pintura de Caballete Siglo XX, Pintores Exiliados Españoles en México y Pintores Extranjeros en México.

La maestra Eloísa Sheng-li Chilián Herrera, directora de la Escuela de Artes Plásticas y Audiovisuales de la BUAP, agradeció a los coleccionistas el confiar estas obras a la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla (BUAP) para que el público las pueda apreciar, del 16 de agosto al 30 de septiembre.

A nombre de los coleccionistas, Elizabeth Blanno de Ortega invitó a los asistentes a transportarse a la época donde los pinceles de los artistas vivieron el idílico romance entre el doctor Atl y Nahui Ollin.

Así como el trágico desenlace del triángulo amoroso entre Rodríguez Lozano, Julio Castellanos y Abraham Ángel; así como las pasionales relaciones de Diego Rivera, quien su primera esposa fuera la afamada pintora Angelina Beloff; o cuando Francisco Goitia gustaba de pintar escenas de ejecuciones.

La obra Revolucionarios de José Clemente Orozco da la bienvenida a la exposición. En la sección El muralismo Mexicano, movimiento artístico impulsado por José Vasconcelos y liderado por Gerardo Murillo Dr. Atl.

El público podrá apreciar obras como: La gatita blanca, Estudio para fachada del Polyforum Cultural Siqueiros y Adriana durmiendo, de David Alfaro Siqueiros; Baile de Tehuantepec, de Diego Rivera; Indígenas, Desnudo y Los turistas y Aztecas de José Clemente Orozco.

La Academia de San Carlos, fundada en 1781 por el Rey de España Carlos III, fue la primera institución de su género en el continente americano y ahí también se creó el primer museo de arte. En esta sección se puede apreciar la obra de Ignacio Rosas, Manuel Serrano, Armando García Núñez, Francisco Romano Guillemin y Guillermo Gómez Mayorga.

A pesar que la participación de las mujeres en el arte era escaso y poco conocido a principios del siglo XX, las mujeres en la plástica mexicana encontraron su protagonismo a fuerza de talento, libertad y visión. Dos mujeres que forman parte de esta exposición son: María Izquierdo con las obras Autorretrato, Retrato de la niña Mariana Amor, Escena de circo y Granja; y Carmen Mondragón (Nahui Ollin), con las piezas Notre Dame y Paisaje de París.

Una vez terminada la Revolución Mexicana, a la par del movimiento de pintura mural, se crea una nueva identidad de la cultura mexicana que se muestra en la sección Pintura en Caballete del Siglo XX con las obras Cruz de hierro, Paisaje industrial y Hombre frente al cielo, de Rufino Tamayo, primer pintor en romper con los temas nacionalistas y políticos del muralismo.

Además, El encuentro de dos culturas, de Jorge González Camarena; Paisaje al atardecer con Paricutín y fumarola, Erupción, Vista del Popocatépetl y Retrato de Carmen Mondragón Nahui Ollin, de Gerardo Murillo (Dr. Atl); Josephine Baker y Pepito (Giuseppe Abatino) en cubierta de barco, de Miguel Covarrubias.

Sin lugar a dudas uno de los más importantes representantes de la Pintura en Caballete del Siglo XIX es José María Velasco, sus obras El Valle de México, El Valle de México y Texcoco y Paisaje de México, se exhiben en la Galería de Arte.

La presencia de pintores viajeros europeos en México durante el siglo XIX, corresponde a la atracción por conocer detalladamente la forma de vida de nuestro continente y particularmente por nuestro país. La sección Pintores Extranjeros en México Siglo XIX incluye una selección de piezas de August Lohr: Escena de Xochimilco, Vista del Popocatépetl y Paisaje de México.

Finalmente, el público podrá apreciar piezas como Mesa con vela, de Germán Horacio; Retrato de dama, de Arturo Souto; Clavecinista, de Enrique Climent; y Botellas, de Antonio Rodríguez Luna, en la sección Pintores Exiliados Españoles en México.

La Galería de Arte del Complejo Cultural Universitario BUAP está abierta al público de martes a domingo de 10:00 a 19:00 horas, con acceso gratuito.

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Fuendetodos, orgulloso de preservar la Casa Natal de Francisco de Goya

México, 11 de agosto/Notimex. Con el orgullo de preservar de la manera más original posible la casa en la que vivió el gran pintor español Francisco de Goya, la población aragonesa de Fuendetodos recibe al año unos 20 mil visitantes para ver esa vivienda de principios del siglo XVIII y parte de la obra del artista.

Fuendetodos es un municipio tan pequeño que en invierno no llega a los 150 habitantes, pero la población se siente muy orgullosa de vivir en un sitio donde nació un gran artista universal, y de mantener la casa en la que vivió su infancia.

Francisco de Goya y Lucientes, pintor y grabador español cuya obra abarca la pintura de caballería y mural, el grabado y dibujo, tuvo un estilo que evolucionó desde el rococó, pasando por el neoclasicismo, hasta el prerromanticismo, siempre interpretados de una manera muy personal y original.

Nació en Fuendetodos, localidad de la provincia española de Zaragoza, el 30 de marzo de 1746, y población que desde hace más de dos décadas trabaja en una apuesta de futuro basada en tres ejes, el primero es la difusión de la obra de su más ilustre ciudadano.

El segundo esta decidido en torno al arte gráfico y el tercero a la divulgación y conocimiento de su entorno.

Construida a principios del siglo XVIII, la casa en la que vivió Goya sus primeros años perteneció a Miguel Lucientes, hermano de la madre del pintor, Gracia Lucientes, de ascendencia hidalga.

Al poco tiempo que Gracia llegó a Fuendetodos nació Francisco, y allí vivió los primeros seis años de su infancia.

Tras mucho tiempo de indiferencia, la casa fue identificada en 1913 por Ignacio Zuloaga y un grupo de artistas zaragozanos y su admiración por el aragonés le animó a comprar la propiedad a Benita Aznar Lucientes, una sobrinanieta del pintor.

En 1928, el Sindicato de Iniciativas y Propaganda de Aragón (SIPA) constituyó una Junta para la celebración del centenario de la muerte de Goya, y entre sus objetivos se encontraba el cuidar y conservar la casa.

Para ello, compró la propiedad contigua, dando en ella vivienda gratuita a una familia que cuidaba la Casa Natal de Goya, y acompañaba a los visitantes, aunque durante la Guerra Civil la Casa Natal fue parcialmente saqueada, por lo que tuvo que ser restaurada en 1946.

La Dirección General de Bellas Artes aprobó en 1981 el proyecto de una nueva restauración. Los trabajos de remodelación finalizaron en 1985 y fue inaugurada el 13 de julio de ese año. Por Real Decreto, la Casa Natal de Goya fue declarada Monumento Histórico Nacional en 1982.

En entrevista con Notimex, Rosa Calvo, una de las vecinas de Fuendetodos que trabaja en la Casa Natal de Goya desde 1988, narró que el pintor vivió en esa casa por muy poco tiempo, “pero es muy importante para nosotros que haya vivido aquí una figura universal”.

Detalló que en la planta baja de la vivienda, entrando a mano derecha, quienes la visitan pueden observar un texto que contiene toda la información sobre el origen de la casa.

Enfrente están la cocina, la salita y a un lado la despensa, mientras que en la parte superior están las alcobas. Luego, enfrente de las escaleras hay un espacio que sería un granero, todo ello facilita información sobre el entorno familiar de Goya.

Calvo precisó que la Casa Natal de Goya recibe al año cerca de 20 mil visitantes, teniendo en primavera y en otoño muchas visitas de grupos escolares, de colectivos y luego en verano, visitas individuales.

Indicó que en Fuendetodos como complemento a la visita hay un museo dedicado a una selección de las cuatro series de grabados originales de Goya, donde todo está especializado en lo que es la obra gráfica.

Los grabados de Francisco de Goya son una fuente muy importante para conocer la personalidad del artista, ya que al no ser obras de encargo pudo expresarse con total libertad en ellas.

Por esa misma razón pudo experimentar todas las técnicas como aguafuerte, punta seca, aguatinta, que le permitieron mejorar su trabajo como creador.

En Fuendetodos pueden verse las series de grabados como “Los Caprichos”, estampas hechas de 1797 a 1799; “La tauromaquia”, estampas hechas en 1815; “Los desastres de la guerra”, estampas hechas entre 1810 y 1815; y “Los disparates”, grabados de Goya de entre 1816 y 1824.

Calvo dio a conocer que junto a la Casa Natal de Goya también se tiene como complemento a lo que es la obra gráfica original del artista, un espacio que se creó en 1996 dedicado o bien a grabadores contemporáneos a Goya, o a artistas contemporáneos relacionados con muchas instituciones.

“Somos un museo muy pequeñito y la forma de hacer exposiciones temporales es siempre con intercambio, y cada vez hay más colaboración”, sostuvo.

Subrayó que “es muy importante para un municipio tan pequeño como es Fuendetodos que en invierno no llega a los 150 habitantes, pueblo bonito y cuidado, que nazca una figura con un renombre, una figura universal, y que los pobladores sigan manteniendo la casa”.

“Ayuda sobre todo a la calidad del pueblo, al ser turístico da una vida que es incalculable a cualquier municipio, da una gran riqueza y es una gran vida para todo un municipio”, agregó.

Calvo expuso que Goya es conocido a nivel universal, “por lo que tenemos muchas visitas (de extranjeros) ya que hay gran interés por el tema cultural”.

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Artista triqui pintará murales en 5 países de Europa

Iván Santiago Marcelo. (Corresponsal). Querétaro, 30 de julio/Notimex. Más allá de su pasión por la pintura, es la lucha por exaltar el trabajo de su gente, su pueblo, las tradiciones y su pasado ancestral, lo que llevará a Joel Merino por cinco países de Europa a plasmar en murales la cultura triqui.

Es la segunda vez que hará este recorrido por el viejo continente, pues en 2017 fue invitado por artistas independientes y galerías de arte de esas naciones, sin embargo, los tres meses que estuvo allá no le bastaron para expresar su arte.

Sus murales, que hoy llenan de color grandes edificios, calles y museos en estados del país como Oaxaca, Querétaro, Quintana Roo, Baja California, Guanajuato, llegarán a distintas partes de Francia, Bélgica, Suecia, Italia y Alemania.

Puentes, construcciones que administra el gobierno, muros que dan hacia la calle, edificios y casas-habitación gestionadas por los festivales en los que participará, son los espacios donde quedará grabada la cultura triqui.

Sin miedo a nada, ni a la discriminación, el joven de 29 años de edad y originario de San Juan Copala, un pueblo y agencia municipal habitado por indígenas triquis, situado en el municipio de Santiago Juxtlahuaca, Oaxaca, partirá en los próximos días rumbo a París, donde será su primera parada.

“La idea es promover un México pluricultural, que es habitado por muchas culturas; también compartir e intercambiar formas de expresarnos, ya que también allá en Europa existen pueblos originarios”, señaló quien hoy reside en la ciudad de Querétaro.

A través del arte, Joel busca que la gente conozca quiénes somos los mexicanos, qué hacemos, de dónde somos, cuál es nuestro origen, ya que “lamentablemente esto es algo de lo que no se habla en los libros de texto gratuitos, no se habla de pueblos originarios y que aún se sigue resistiendo, conservando tradiciones, usos y costumbres”.

El viaje no es tan sencillo para Joel. Aunque algunas organizaciones mexicanas como el colectivo Board Dripper y la Asociación de Artesanos Indígenas Triquis Tinujei A.C., lo apoyarán durante su estancia en este lugar, él tendrá que cubrir parte de los gastos.

“Amiguitos, pronto estaremos saliendo rumbo a Euruapan por lo que estaremos subiendo obra, prints, grabados, artesanías en venta para subsidiar el viaje, ya que vamos a estar algunos meses por allá”, publicó el artista en su cuenta de Facebook, a fin de reunir los fondos necesarios.

El gusto por la pintura le nació desde muy pequeño. Sus padres encontraron en la artesanía una forma de obtener ingresos para sobrevivir y por lo tanto las llevaban sus productos a las ciudades, en donde fue conociendo más del arte.

“Me gusta pintar con cualquier medio. Muchas de mis pinturas están hechas en acrílico y otras con aerosol. He tenido varios proyectos donde busco que la gente pueda conocer más de la cultura triqui, a través de imágenes o gente que es real”, relató el artista oaxaqueño.

No sólo imágenes forman parte de su obra, también su lengua materna: triqui. Es así como busca, no sólo dar a conocer la cultura, sino revalorar, incluso rescatar, la lengua originaria, la cual con el tiempo pierde más hablantes.

“Plasmo la identidad de mi pueblo, la vida cotidiana, a través de lo que viven mis seres queridos, mis antepasados, todo lo que identifica al pueblo: los huipiles, el traje tradicional de los hombres, así como usos y costumbres”, expresó Merino López.

“Quiero fomentar la lengua y la historia de los pueblos originarios, por eso es que toda mi obra está en triqui, naturalmente pongo traducciones, pero originalmente son en triqui para provocar la curiosidad de aprender otras lenguas nativas”, agregó.

El artista oaxaqueño va en busca de buenos resultados y dar a conocer, lo más que pueda, la cultura triqui; y estará de regreso en México el 12 de octubre próximo para participar en el Festival de la Resistencia de los Pueblos Originarios, que se realizará en Querétaro.

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‘Un paisajista pleno’ irrumpirá en el Palacio de Minería

México, 27 de julio/Notimex. La exposición Un paisajista pleno, que reúne por lo menos 60 obras de gran formato del pintor tlaxcalteca Hermenegildo Sosa, llegará el 5 de agosto al Palacio de Minería, en la capital del país, donde hasta el 30 de septiembre se presentará en las Salas de Exposiciones.

La obra de Sosa es fiel a los paisajes de su experiencia y asombra por su dramatismo, al integrar el cuerpo humano al campo como un homenaje a la madre tierra. “Esto es propio de un pintor que no recurre al paisajismo fácil”, señaló el crítico Alberto Híjar.

Un paisajista pleno. Hermenegildo Sosa en el Palacio de Minería, nombre genérico de la muestra, está dividida en cuatro núcleos museográficos: El enfermo paisaje Urbano, El nostálgico paisaje Campirano, El misterioso paisaje marino y El retrato.

La exposición, como apunta el escritor Raymundo Ramos, “es una propuesta para mostrar un proceso de urbanización interrumpida o un paisaje interior de cuerpos desnudos y dolorosos que dialogan con el futuro de una plástica de aciertos evidentes”.

La obra está inspirada en la niñez que pasó el pintor en el campo de Tlaxcala con sus padres y el acercamiento que tuvo con el agua debido a un problema de salud. De entre las piezas destacan Desaparecidos y Ayer, esta última que representa derrumbes.

Las piezas son actuales, pero muestran distintos ámbitos con un concepto de modernidad. Se incluyen obras inéditas con guiños a los cambios de una sociedad. En ellas se aprecia erotismo, crudeza y escenas sombrías que se crean como testimonio del medio natural.

Medio transgredido y alterado por la intervención del hombre, la metamorfosis como misterio que da origen a la vida, la fusión del arte y el existir como homenaje a la naturaleza y la figura humana. La gratuidad del acceso es otro atractivo de la muestra.

Sosa se ha consolidado como un pintor mexicano contemporáneo pleno. Cuenta con más de 35 años de docencia, heredando su método de interpretación de paisaje a decenas de alumnos de la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda.

Algunas de sus obras se encuentran en acervos como el de Secretaría de Relaciones Exteriores (Museo de Cancillería), Universidad de Chapingo (Museo de Chapingo), Centro Cultural Bicentenario Texcoco y el Museo mexiquense José María Velasco.

La exposición Un paisajista pleno, de Hermenegildo Sosa, se exhibirá del 3 de agosto al 30 de septiembre de miércoles a domingo de las 10:00 a las 17:45 horas en las Salas de Exposiciones del Palacio de Minería, en Tacuba 7, Centro Histórico.

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Difunden en León, Guanajuato, vida y obra de pintor Juan Herrera

León, 11 de julio/Notimex. En conmemoración al bicentenario del nacimiento del pintor leonés Juan Nepomuceno Herrera, el Museo de las Identidades Leonesas realiza una serie de actividades y exposiciones para mostrar la vida y obra el artista.

A través de la muestra Destreza perpetua. Apuntes del pintor Juan Nepomuceno Herrera, se pretende dar un reconocimiento al autor y que se pueda dar cuenta de talento e importancia de su trabajo y buscar que “el visitante pueda inspirarse”, explicó Víctor Hermosillo, director del recinto.

“Nuestro trabajo tiene que ver con rendirle los honores a este gran creador, (la muestra) despliega una serie de bocetos, son reproducciones autorizadas de una colección que está bajo custodia del Instituto de Investigaciones Estéticas de la UNAM.

“Estos bocetos evidentemente dan cuenta de la maestría y del genio del pintor Juan N. Herrera”, declaró a la Unidad de Televisión de Guanajuato.

Además de la muestra pictórica, la agenda de actividades involucra recorridos por los principales lugares que frecuentaba el artista, intervenciones, talleres y charlas con estudiosos de la obra e historia del retratista.

El cronista vitalicio de la ciudad de León, Carlos Arturo Navarro, preparó una serie de testimoniales para la muestra.

La ruta cultural turística denominada La ciudad de Juan Herrera llevará a los interesados por lugares representativos de la vida del pintor para que se difunda su obra y reconocimiento.

“El objetivo de esta ruta es humanizar al autor, entender que él caminó por el corazón de la villa de León, él muy seguramente estuvo en este recinto (..) la idea es si bien recrear de alguna manera sus andanzas.

“Generalmente tendemos a ponerlos demasiado lejos y aquí de los que se trata es de también acercarlos y evidentemente el patrimonio tiene que ver con hacer cercano lo lejano”, explicó el director del museo.

La exposición Destreza perpetua estará disponible hasta el 19 de agosto y se podrá visitar de martes a domingo, de 11:00 a 18:00 horas.

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Inauguran la muestra ‘Los caballos de la Revolución’ de Manuel Marín

México, 05 de julio/Notimex. El pintor, escultor y dibujante Manuel Marín inauguró este miércoles su muestra Los caballos de la Revolución, la cual fusiona materia, historia e idiosincrasia, en la Galería Media Luna del Museo Nacional de la Revolución (MNR).

Son 17 piezas de madera laqueada y policromada, con las que rinden homenaje a la figura del equino.

Durante la ceremonia de apertura de la exposición que permanecerá en ese espacio hasta el próximo 24 de agosto, el secretario de Cultura de la Ciudad de México, Eduardo Vázquez Martín, aseguró que Marín “honra al equino, animal que llegó a este territorio con la Conquista y tuvo un rol protagónico en la Revolución”.

Explicó a los asistentes que la obra de Manuel Marín “es sencilla pero no fácil” porque, dijo, “el artista tiene el don de no dejar de ser niño, cualidad a la que suma su inmensa capacidad creativa y su madura técnica” para ofrecer al espectador piezas con las que ilustra uno de los capítulos más importantes e interesantes de la historia de esta nación.

Marín describió sus piezas como esculturas-juguetes, y con una sonrisa, se dirigió a los presentes para que jugaran con ellas “aunque sea visualmente”.

Además de Vázquez Martín, asistieron el titular de la Autoridad del Centro Histórico, Jesús González Schmal; la directora del MNR, Alejandra Utrilla y la museóloga Miriam Káiser.

La muestra de Manuel Marín, dijo el responsable de la política cultural de la capital del país,  “convive muy bien con la sencillez del Museo Nacional de la Revolución, que en el tiempo nuevo por venir (en alusión a la transición política del país) está llamado a ser un espacio abierto a la reflexión sobre en qué consisten las más grandes transformaciones”.

Explicó que cada quien puede pasar a ver esa meditación sobre el caballo que hace el maestro Manuel Marín, y después pasar a ver la muestra Arquitectos de la Revolución Mexicana, en el mismo recinto, “y entender cómo son las revoluciones del civismo, de las ideas, del pensamiento y la conciencia”.

De acuerdo con el funcionario capitalino, en los caballos, en los cuales el artista hace un guiño al juguete popular, existe una franqueza por recuperar el trazo, originalidad y toda la verdad de la infancia, generando una amalgama de gran valor estético, donde vive una visión madura, profunda y crítica.

En la Galería Media Luna, espacio creado para artistas emergentes y consolidados, los visitantes observaron 17 piezas elaboradas en madera laqueada y coloreada, que van de los 15 a los 40 centímetros de altura. La muestra reúne esculturas de caballos en diversas poses, algunos sobre tres patas, dos o sólo una, siempre denotando fortaleza y valentía.

Manuel Marín, miembro de número de la Academia de Artes, en la Sección de Pintura, juega con el abatimiento del volumen de cada pieza expuesta, sin sacrificar la figura y la forma.

Esa es una de las bondades de las artes plásticas que radica en la vastedad de poses, posiciones, tamaños y variantes que la obra final puede tomar para su gozosa vista.

Para el pintor, escultor, dibujante, artista alternativo, teórico y profesor, la materia y la gravedad de la escultura tienen que guardar una estrecha relación. En ese sentido, procura que el volumen de cada figura de la exposición absorba la ligereza de un salto o de una carrera, movimientos donde iguala el valor de las patas como sostén con el del cuello y la cola.

Durante la inauguración trascendió que Marín (Ciudad de México, 1951) ha realizado más de 100 exposiciones en México y en el extranjero, y varias de sus piezas forman parte de colecciones públicas y privadas. Ha recibido distinciones, como la Estancia de Producción en la Fundación Svaneke Gaarden, Dinamarca (2002), entre muchas otras más.

Ha publicado cuatro libros teóricos de referencia: Espacio y cosas (1994), El tiempo de la pintura (1996), Intenciones del ver (2000) e Imagen (2007), así como los libros ilustrados Animales en el agua de papel (1996), La caja maga (2005), Juan O´Gorman. Un autorretrato pintándose (2006) y Primavera (2006).

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Museo ‘Carrillo Gil’ revelará obra y figura de Wolfgang Paalen

México, 28 de junio/Notimex. Un total de 134 piezas que revelan la obra, proyectos, conexiones y efectos que el artista Wolfgang Paalen generó a su paso por México integran la exposición que a partir del 29 de junio se presentará en el Museo de Arte Carrillo Gil (MACG). 

En conferencia de prensa, Vania Rojas, directora del recinto museístico, comentó que la exhibición El gran malentendido. Wolfgang Paalen en México y el surrealismo disidente de la revista DYN recae en la figura del austriaco, quien es considerado el cofundador del expresionismo abstracto que llegó a México en 1939 con una visión vanguardista.

Para Daniel Garza Usabiaga, curador, la muestra se estructura en tres ejes temáticos que parten de la travesía de Paalen como artista y miembro activo del movimiento surrealista.

Se realiza una revisión de la Exposición Internacional de Surrealismo de 1940 que el austriaco organizó en conjunto con otros artistas en la Galería GAM, y concluye con las múltiples conexiones estéticas, científicas y culturales que generó el efecto disidente de la revista DYN durante su publicación y estudios posteriores.

“El surrealismo de Paalen, a través de DYN, buscaba una reconciliación del arte moderno con la física moderna y el arte originario de las Américas. En relación con esto último, además DYN proponía un estudio del arte indígena del continente desde las teorías de Franz Boas, así como un acercamiento difusionista a las culturas, una postura presente en el trabajo de antropólogos como Paul Rivet y Miguel Covarrubias”, mencionó.

Asimismo, señaló que se pueden establecer ciertos vínculos entre la propuesta de surrealismo disidente de Paalen con el trabajo de Alice Rahon, Eva Sulzer, Carlos Mérida y Miguel Covarrubias, colaboradores de la publicación.

“Más allá de las páginas de esta revista, estas conexiones también se pueden trazar con el trabajo de Gunther Gerzso y Álvar Carrillo Gil. La exposición tiene como objetivo mostrar el trabajo de este conjunto de artistas alrededor de las ideas que se presentaron originalmente en DYN.

“Tanto la publicación como la figura de Paalen, su editor, son poco conocidos en México. Del mismo modo, también se desconoce su propuesta sobre surrealismo disidente y su impacto en otras disciplinas, como la antropología. Con esto se busca expandir el conocimiento sobre estos personajes, así como sobre el surrealismo en México, generalmente identificado con soluciones figurativas, inspiradas fuertemente en distintas mitologías de índole un tanto hermética”, añadió.

Ilona Hoyos, directora del Foro Cultural de Austria en México, comentó que Paalen es un artista poco conocido en Austria, “fue uno de los exiliados, de los que huyeron de un sistema político oprimente e inhumano”.

“Fue una de las personas que llegaron a México a unirse a un país de una cultura muy rica, y él se sumergió en esta cultura, adoró a ese México, volviéndose mexicano, pero siempre con la mochila que llevaba de su pasado”, refirió.

Precisó que de la revista DYN existieron muchos conflictos, gente que ni quería esa publicación, “movimientos que resultaban antiestatales, todo lo que se necesitaba para estar en un país”.

Adelantó que en el Verano de 2019 se mostrará una exposición en la ciudad de Viena sobre el trabajo artístico de Paalen.

El título de la muestra El mal entendido, a decir del curador, proviene de un texto que el propio Wolfgang escribió para la referida revista, en la que aborda la reconciliación del arte y la ciencia, esta última entendida en diferentes aspectos.

Tomando como antecedentes las acciones y las obras realizadas años antes de su llegada a América, la muestra se integra por diferentes técnicas y formatos, como pintura, escultura, dibujo, objetos y fotografía, provenientes de la Colección del MACG, el Museo Nacional de Antropología, el Museo Nacional de las Culturas del Mundo, el Museo Franz Mayer, el Archivo Miguel Covarrubias, la Galería Óscar Román y la Colección Andrés Blaisten.

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Guadalajara recibirá arte del pintor portugués José de Almada Negreiros

Manuel Bello Hernández. (Corresponsal). Lisboa, 27 de junio/Notimex. Polifacético y de personalidad exuberante, personaje que abanderó las corrientes más vanguardistas de su época, así fue el pintor portugués José de Almada Negreiros (1893-1970), cuyo arte será expuesto a partir del 22 de noviembre en el Instituto Cultural Cabañas, como parte de las actividades de la Feria Internacional del Libro de Guadalajara (FIL), donde este año Portugal es el invitado de honor.

Bajo el título Lo que dicen las paredes. Almada Negreiros y la pintura mural, es una exhibición curada por Mariana Pinto dos Santos, con la que se busca dar a conocer los murales más importantes del artista plástico por su extensión y su contenido político, y presentarlos junto a los de José Clemente Orozco en dicho recinto cultural.

Aun cuando los estilos de De Almada Negreiros y Orozco fueron diferentes, para la curadora es posible un diálogo por ser contemporáneos, por tener un lenguaje que crea un sentido de comunicación con tanta gente.

Indicó que si bien el artista portugués nunca conoció y tuvo contacto con muralistas mexicanos, cuando falleció José Clemente Orozco estuvo al pendiente. “Sabía lo que estaba pasando”, agregó.

Se expondrán los Tapices de Portoalegre, que reproducen los paneles de la Gare Marítima de Alcántara en la ciudad de Lisboa, y los de Rocha del Conde de Óbidos, que De Almada Negreiros realizó en los años cuarenta; además de los tapices también se exhibirán los bocetos que les dieron origen y se dedicará una sala para una exposición biobibliográfica.

En la Estación Marítima de Alcántara, De Almada Negreiros pintó frescos que reflejan el momento histórico de la vida cotidiana de Portugal.

“Traeremos obra de sus años de preparatoria, documentación y la reproducción de su trabajo mural en tapicería que se encuentra en la estación marítima de Alcántara, en Lisboa”, destacó la curadora.

Para Pinto dos Santos, De Almada, quien vivió en los años de la dictadura portuguesa a principios del siglo XX, “era un artista paradigmático porque se encontraba entre la vanguardia portuguesa de la década de 1910”.

Fue un artista clave para el arte moderno de su país, siendo influenciado por el cubismo y, principalmente, por el futurismo. Durante la dictadura de António de Oliveira Salazar realizó varias obras propagandísticas, pero la mayoría de su trabajo criticó fuertemente a la sociedad de esa época.

José de Almada Negreiros, quien falleció el 15 de julio de 1970, dejó una vasta obra compuesta por pintura, dibujo, teatro, danza, romance, relatos cortos, conferencias, ensayos, libros de manuscritos ilustrados, poesía, narrativa gráfica, pintura mural y artes gráficas, cuya producción se extendió sobre más medio siglo.

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